El que fuera uno de los mejores cantautores de España falleció ayer día 21 de Agosto de 2007 de paro cardíaco después de uno de sus conciertos de la gira con Serrat en la localidad gaditana de Jerez de la Fra.
Por el momento no podemos adelantar más detalles porque la policía lo tiene como secreto de sumario. Ya le informaremos.
Descanse en Paz.
No ome, que es mentira.
Buenas tardes.
Ultimamente he ido bastante al cine, anteayer fui a ver los Simpson y ayer ocupé mi tiempo libre en ver Planet Terror. La verdad es que no me apetece mucho hablar sobre alguna de estas dos películas, asi que dejaré solo un par de comentarios.
De…
No, yo no voy a hablar de esta portada del Jueves:
Voy a ser un poco más frívolo y me voy a dedicar de nuevo a uno de mis temas preferidos, la música por supuesto. Hoy vamos a retomar un poco el blog, abandonado por motivo de las vacaciones, para charlar sobre el último gran album que ha llegado a mis oídos: Strawberry Jam, de Animal Collective.
Los miembros de esta laureada banda entre el sector más snob de la sociedad son David Portner (miembro de Avery Tare), Noah Lennox (de los recién publicados Panda Bear), Brian Weitz y Josh Dibb. La verdad es que desconocía por completo a esta banda neoyorquina (aish, como no) antes de la filtración de este Strawberry Jam, pero desde entonces son un pilar básico de mi formación más snob. Me he hecho con copias de sus tres anteriores discos y creo que ahora sería capaz de emitir una sentencia lo suficientemente equilibrada sobre lo que resulta esta mermelada de fresa.
Un empalagoso título y una portada más bien feota…:
…no son buenos antecedentes. Pasar de ambos es lo mejor, centrarse en la música que a fin de cuentas es lo que importa. Yo tuve la suerte de hacerme con el album antes de conocer su portada; asi pude entrar de lleno en el maravilloso experimento sonoro de estos jovencitos de Nueva York.
Por todos lados reza la misma frase en referencia al grupo: los amas o los odias, no hay termino medio. No sé si esa lapidaria sentencia tendrá algo de verdad, lo que es completamente cierto es que en esta época de sobreabundancia de material (horrorosa palabra para hablar de arte, por cierto) sonoro los discos se escuchan menos y mal; y eso es un gran handicap para toda la producción de Animal Collective, aunque curiosamente nos encontremos ante el disco menos abstracto, menos hetereo de su carrera. Eso no quiere decir que Strawberry Jam sea todo accesibilidad y encanto, hay que escucharlo varias veces antes de hacerse con la esencia al completo de este disco. Empecemos por el principio:
Imagínenme en mi cuarto, mucha ropa por el suelo, un envoltorio de unos donuts de dos días antes, y de momento me da por probar con el album que tanto están laureando en Muzikalia: unos tal Animal Collective. Pum, ruido. De entrada ruido, pero no solo propio del comienzo de la canción, mi madre y mi hermano en la puerta gritándome para que quitara ese ruido (dice una), bazofia (dice otro). Reconozcámoslo, Peacebone tiene un comienzo digno del noise más radical. Afortunadamente todo va cogiendo color y mi madre y mi hermano retornan lentamente a sus quehaceres habituales. Cuando me pongo Peacebone, sea en mi cuarto o en la calle, me siento como viviendo una vida de comic; es algo poco habitual en mí, hijo de la televisión, que nací con la imaginación tristemente atrofiada.
Nada más terminar el primer temazo viene el segundo, Unsolved Mysteries, hecho también de pequeños loops sobre los que navega un pequeño y travieso David Portner. Es el segundo pepinazo del disco, y solo en diez minutos. ¿Cómo es posible que sobre un simple rasgueo de guitarra sacado de Dios-sabe-donde pueda estructurarse todo el espinazo de una canción? ¿Y cómo es posible hacerlo con tanta genialidad, tanta expresividad en la voz? Pues no lo sé, me temo que solo Animal Collective lo saben.
Chores, tercer corte. Psicodélico es la palabra más adecuada, aunque tampoco le vendría mal algo asi como explosivo, directo. Es evidente que no es una psicodelia parecida a la de Feels, es una psicodelia más cercana, menos etérea. La apertura hacia horizontes más accesibles es una estrategia vieja como el carbón en grupos “raretes”, como a muchos les sale mal esta apertura a estos chicos les ha salido bien. No me extrañaría nada que se convirtieran en el próximo estandarte del indie rock de vena más snob. Sosegado final que nos conduce apaciblemente hacia el siguiente corte:
For Reverend Green. Sigue en la línea de los anteriores cortes, más accesible, muy rock, varios loops que se repiten. Lo que realmente me encanta de la canción es cómo canta, de nuevo, el gran Portner. Joder, su voz no es grandiosa, pero qué estilo más personal y atractivo. Un diez para la voz de David Portner en esta For Reverend Green, que, sin embargo, tiene para mí la base instrumental menos genial de todas las que hacen aparición en este trabajo.
Fireworks es el primer single, ya tiene vídeo:
Ustedes juzgan, yo me callo. Para mí no es el verdadero hitazo del disco, pero es mejor que el 70 % de los singles publicados en este año (mención de honor para el Fluorescent Adolescent de los Arctic) y eso ya es decir algo, ¿no?
#1. Vale, con esta canción se pueden dar por satisfechos los fans de los anteriores discos de estos animales. Apuesto un riñón (aish, esto me va a costar caro) a que esta y Cuckoo Cuckoo son las dos primeras canciones compuestas, hace tiempo además. Pues no se acercan en nada a lo que ahora es la banda. Eso no quiere decir que este tema sea inferior a los demás, simplemente es distinto. Cada uno tendrá una opinión personal, pero prefiero a los nuevos antes que a los antiguos.
Pasemos de lo más etéreo del album a algo nuevamente directo al corazón y más accesible: Winter Wonder Land. Lo admito, tengo esta canción de tono para cuando me llaman al móvil. Un buen tema bañado de soniditos desde los confines de la tierra, y con un coro digno de los Beach Boys.
De Cuckoo Cuckoo ya hablamos antes un poco… Buena base sonora y buena construcción del tema, directa para los fans más antiguos del grupo, como ya comentamos.
En fin, la recomendación ya está hecha. Si ustedes estais dispuestos a quedaros con la duda de si estais en el amplio bando que odia a la banda o en el pequeño (y selecto, que dirían algunos) grupo de gente que los ama… No me podreis echar a mí la culpa.
Un saludo.
Seguimos activos.
LTP.
Hoy vamos a hablar del nuevo grupo fenómeno que se ha sacado la prensa más alternativa de la manga para esta
temporada. En la siempre fiable Pitchfork le han concedido un 9,1, el periódico The Guardian les concede la matrícula de honor, la página Playlouder hace lo mismo.
La Rockdelux estaría orgullosa de ellos, han hecho famosa la enésima etiqueta de la temporada: Battles fabrica Math Rock. Y sí, fabrica es el verbo que me parece adecuado para este grupo de Nueva York (de donde suelen salir las propuestas más interesantes). Hace tiempo que la Velvet transmutó la finalidad estética del rock por algo más medido y conceptual, Battles recogen la esencia de la experimentación del grupo de su misma ciudad y lo convierten en lo que a ellos les parece lo más adecuado para los tiempos que corren: un monstruo de aluminio y acero en el que no hay engranajes que rechinan ni tuercas fuera de su lugar, porque todo está perfectamente medido y sincronizado para que quede perfecto; para que cada sonido de batería suene en el momento exacto y parezca todo un conjunto inquebrantable. En esta banda no hay líder, es tan importante el sonido de la batería de John Stanier como el sintetizador de Ian Williams, cada fracción de segundo es la comunión de todos los instrumentos en uno solo.
Precisamente de este apartado vienen las mayores críticas de todos los detractores del álbum, el que todo esté tan sumamente calculado implica que el sentimiento desaparezca en pro de una música robótica y sin alma. Comprobamos asi que lo que muchos consideran su mayor virtud, otros muchos lo encuentran negativo; mirándolo friamente eso es para mí una de las piezas esenciales de una buena obra, la discordia a tenor de un disco es a día de hoy uno de los mayores alicientes para que se hable de él en un contexto en el que hay demasiada música por escuchar y se escucha menos música (bien) que nunca. Si tuvieramos que hacer una aproximación diríamos que el grupo más afín en cuanto a estilo ahora mismo en el mercado es Animal Collective, con los que se han ido de gira varias veces y a los que no reconoce como una influencia especialmente notoria. Por cierto, el nuevo disco de Animal Collective es una pequeña maravilla, tendremos que comentar algo sobre él más adelante.
Bueno, supongo que se habrá notado en cierta manera que estoy entre los que defienden que este es un buen disco. Si tengo que hacer una valoración personal he de decir que a pesar de que el album para mí es el mejor debut de este 2007 hay un algunos pasajes que se me hacen demasiado pesados… Bad Trails podría estar fuera del disco, porque es lo más flojo y distrae la atención inmisericordemente. En cuanto a lo que dice la prensa… No me importa demasiado, porque sé que para la temporada otoño-invierno surgirá otro grupo que haga el olvido de este, yo sí sé que para mí hay Battles para rato y que Mirrored es una obra bastante loable.
Aquí os dejo un vídeo:
Este es el vídeo del primer single, a modo de degustación. Es irresistiblemente pegadiza, y eso que la letra… Es difícil de pillar, digamos.
Si alguien quiere el disco, que me lo pida en comentarios y se lo subo en un momentillo. Un saludo. Lucas
¿Reggaeton o Hip Hop?, dejémoslo en música urbana.
Calle 13 es un grupo de Puerto Rico formado por René Pérez (Residente) y Eduardo Cabra (Visitante). Sus sobrenombres provienen de la identificación que tenían que dar al guardia de seguridad para acceder a El Conquistador de Trujillo Alto donde estaba situada su casa.
René es el cantante y
escritor y Eduardo hace los coros y escribe. Su hermana, Lleana Cabra, llamada PG-13 (calificación usada en Estados Unidos para sugerir cautela a la hora de presenciar una película a menores de 13 años) era una adolescente al iniciar su trabajo con Eduardo y contribuye en algunas canciones con voz femenina.
El nombre Calle 13 proviene del nombre de la calle del sector donde crecieron en Trujillo Alto.
El dúo se dio a conocer en 2005 con los éxitos “Se vale to to” y “Querido FBI“.Esta última canción fue escrita por Residente después del asesinato de Filiberto Ojeda Ríos.
Lanzada 30 horas después de su muerte, fue difundida por internet a todo el país, protagonizando numerosos titulares de prensa.
A finales de ese año lanzaron su primer disco “Calle 13” del que recibieron críticas favorables de publicaciones como Time Magazine y del cual lograron vender 350 mil copias en todo el mundo, lo que les llevó a estar nominados a los Grammy Latino.
En 2006, The New York Time invitó a los estadounidenses a visitar Puerto Rico para que tuvieran la oportunidad de ver a lo que llamaron “el primer intelectual que llega al estrellato del género reggaetón“
Colaboraciones con artistas de la talla de Nelly Furtado y, posteriormente, en su segundo disco “Residente/Visitante” dúos con La Mala Rodríguez y Tego Calderón además de intervenciones como las de Orishas o Bajofondo han hecho de Calle 13 un referente en la música internacional.
Alex
Este año es un año de regresos, de vueltas. Algunas han sido interesadas y otras no; se han reunido los Smashing Pumpkins, los Happy Mondays, los Kula Shaker, los Stooges y muchos otros grupos que tuvieron una época dorada más que remarcable dentro de la historia del rock. Como viene siendo ya tradición en la industria del cine también ha sido un año de segundas, terceras e incluso cuartas partes de películas, se han estrenado Hostel 2, Spiderman 3, Shrek Tercero, Ocean´s Thirteen…
La mayoría de las secuelas y de las vueltas suelen ser bastante frustrantes, pero alberga en nosotros tres redactores la esperanza que albergó a Francis Ford Coppola cuando rodaba El Padrino II, queremos mantener la inspiración que rodeó toda la grabación de la vuelta de The Verve cuando grabaron el Urban Hymns tras separarse un par de años. Y no solo queremos mantener el nivel, sino superarlo; ahora leo algunos de los post que escribí hace cosa de un año y me rio de mí mismo. ¡Qué poco sabía…! ¡y qué mucho creía saber! Ahora al menos soy capaz de identificar mis carencias, y claro, sé un poco más de las cosas… Como es, por otra parte, normal.
Bueno, no me voy a enrrollar más. Por último me gustaría agradecer a mis dos compañeros redactores la idea de volver con el blog hace tiempo abandonado: Ale, Javi, espero que esta nueva etapa sea igual (más) productiva que la anterior.
Un saludo. Lucas.
Via Alt1040 leo que la página GreatFirewallofChina posee un sencillo test para poder saber si nuestra página está censurada en China o no. El resultado es curioso, como podeis comprobar:
Nada raro. Como todo el mundo sabe (o deberia saber) en China no hay libertad a la hora de conectarse, y una enorme cantidad
de sitios y contenidos de fuera de China están censurados, no son accesibles. Para que los internautas chinos puedan saltarse este
tipo de detestables normas ya hay varios proxies externos, pero sin embargo… estamos censurados 
Una de las grandes molestias de este sistema operativo es la gran cantidad de “achaques” que tiene. Es decir, ante la apatia del administrador este degenera, envejece, se pudre. La ausencia de un mantenimiento por parte del usuario hace que Windows se “ensucie” por llamarlo de alguna manera. Los síntomas son típicos: Tarda un café en arrancar, los menús van lentos, los programas tardan en abrirse e incluso puede empezar a dar fallos idiotas y poniéndonos más serios, fallos gordos. Blue Death Screens.
Aqui de manera breve y básica os recopilo tres o cuatro cosillas que se deben hacer de vez en cuando y que con la ayuda de sencillos (y gratuitos) programitas lograreis hacer fácilmente.
1. Desfragmentación del disco.
La fragmentación del disco duro, a grandes rasgos, consiste en que el sistema operativo al guardar información aprovecha los huecos que hay entre los archivos que ya existen en el disco duro. No lo escribe todo seguido, sino que va troceando y metiendo cachitos de información acá y acullá, para compactarlo y aprovechar toda la memoria, que no es barata. Esto, claro, hace que el cabezal (imaginad como la aguja de un vinilo) tenga que ir dando saltos de un lado para otro a la hora de leer un archivo, lo cual es LENTO. Ralentiza todo el sistema muchísimo. Para evitar esto, se “desfragmenta” es decir, se ordenan y unen todos fragmentos pertenecientes a los mismos archivos, de manera que el lector no tenga que hacer apenas esfuerzo para leerlos. La mejora de rendimiento del PC es considerable, y es una cosa que hay que hacer frecuentemente, al menos una o dos veces al mes (depende del trajín que le des al disco duro).
Para eso Windows ya trae una herramienta que está en Programas - Accesorios - Herramientas del sistema pero que a mucha gente (a mi) no le gusta, por lento, malo y feo. Personalmente yo utilizo el desfragmentador freeware Auslogics Disk Defrag. Que es bueno, sencillo y efectivo.
Ojo que si llevais mucho tiempo sin defragmentar, va a tardar un rato. Pero mucho rato, así que os consejo que lo dejeis por la noche defragmentando y por la mañana probablemente ya lo tendreis. Ojito que pide un 15% del disco duro libre para poder desfragmentar.
Descargar Auslogics Disk Defrag.
2. Programas en el inicio
Cuando Windows arranca (se enciende) al principio se inician con el unos pocos programas. Lo típico en todo ordenador es el messenger, el winamp… Y muchos otros programas que se “apuntan” solos al arranque del ordenador. Como es normal, si el ordenata ya empieza con muchos programas inútiles funcionando y cargados en memoria, pues va de culo para funcionar fluido.
Para controlar los programas que se arrancan con el ordenador, ve a Inicio - Ejecutar , escribe “msconfig” y una vez te aparece la ventana, vas a la pestaña de “Inicio“. En ella verás todos los programas que se arrancan junto con el Sistema Operativo y podrás quitar lo que te apetezca.
No temas, el PC no va a dejar de funcionar si los quitas todos, de hecho, lo primero que hacen cuando llevan un PC que “va lento” a una tienda para reparar, es quitarle todos los programas del inicio y hala, reset.
También, como no, para quien no sepa exactamente que programas quitar y cuales dejar con el arranque, hay una pequeña aplicación que le ayudará a elegir y gestionar estos: Arrange Startup. Gratuito claro.
Si no estais contentos y quereis quitar aún más procesos inútiles, si vais a la pestaña de “Servicios” y ocultais todos los de Microsoft para ver mejor, así, podeis quitar los servicios de las cosas que no utiliceis. Por ejemplo el “ipod service” para quien tenga el itunes pero no un ipod y cosas de ese estilo. Ojito con quitar el antivirus.
3. Software Espia, Publicidad.
El antivirus solo quita programas que intenten perjudicar al ordenador, pero sin embargo, el spyware, programas que espian tus gustos y tus movimientos y la publicidad, no son eliminados por los antivirus, y de hecho, se introducen a través de programas que creemos normales o infinidad de veces a través del Internet Explorer (Consejillos de seguridad: Cortafuegos, Antivirus, usar navegadores seguros (Ópera o Firefox) y sentido común).
Para eliminarlos basta con pasar de vez en cuando, cada semana o dos semanitas, alguno de los programas especializados en quitar semejante basura. Es conveniente usar al menos un par, ya que lo que no detecta uno, lo detecta el otro (no son como los antivirus, que si pones dos, se “pelean” entre ellos).
Los más famosos son el Ad-Aware y el Spyboot Search and Destroy, aunque hay algunos más, estos son los que mejor me funcionan.
4. Archivos temporales y Cookies
Son archivos que los navegadores y el Sistema Operativo almacenan por el disco, ya que los utilizas muchas veces. ¿Has contado en cuantas ocasiones carga tu ordenador el logo de Google a lo largo del dia? todas esas imágenes suelen guardarse en “caché” osea, en disco, para no tener que descargarlas cada vez que accedes a ellas. Junto con ese tipo de archivos, también el historial del navegador, las contraseñas, los “autorrellenables” de las barras de direcciones… todo eso ocupa memoria y ralentiza el sistema una barbaridad. Para quitarlo puedes hacerlo manualmente llendo de carpeta en carpeta (vagos abstenerse) o usar el magnífico programita llamado CCleaner, que me hace el avio y que paso cada pocos dias.
Ojo al usarlo, a la izquierda podeis marcar lo que quereis borrar y lo que no, muchas veces no querreis perder las contraseñas almacenadas para entrar directamente a ciertas webs, o el historial por cualquier motivo.
El CCleaner también incluye un limpiador del registro. Usadlo pero no olvideis guardar una copia del registro en Mis Documentos por ejemplo. Por si las moscas no está de más.
Bueno, al final se ha convertido en un post de cierta longitud, pero espero que os sirva, si no haciais nada de esto anteriormente, es un buen momento para empezar. Este post es bastante básico y son cosas que un usuario de windows deberia instalar justo después del cortafuegos y del antivirus. Otro dia si tengo cuerpo seguiré haciendo así listillas de programas que me parecen imprescindibles o útiles para la facil convivencia con el SO de Redmondt.
ARL
En la impaciente espera de la llegada de Letters From Iwo Jima, una previsible joya del último clásico vivo de Hollywood (además de verdad), es de obligada visión su película hermana, “Banderas de nuestros padres“, que es la versión Americana de la batalla en ese mismo pedazo de roca allá por 1945.
El inmenso poder de una imagen, referida a la famosísima foto en el monte Suribachi en la que seis marines levantan la bandera de los EEUU narra la doble moral, la mentira, vil corrupción mediática de la propaganda americana, que elevó a esos soldados a la categoria de héroes con fines recaudatorios. Los soldados son separados de su unidad y llevados de vuelta a casa para participar en una interminable (y aburridísima) gira por el pais dando discursos, sonriendo en fotografias y pidiendo: ¡¡Compren Bonos de Guerra!! a los escépticos ciudadanos, profundamente emocionados por la fotito.
El argumento sufre un grave problema, y es que no sabe exactamente donde centrarse, no tiene claro a que dar más importancia, si al profundo conflicto interno y oscuros remordimientos de esos tres marines que sienten como estafan a miles de personas y se martirizan por ello, o a la cruenta batalla en si misma. De esta manera, el ritmo de la película se ve durísimamente perjudicado, acelera, te atrapa para soltarte de repente en un mar de aburrimiento, ya que el hilo narrativo cuando la historia se centra en los tres soldados haciendo propaganda apenas avanza, no hay cambios, no hay argumento, tan solo repetición. Una y otra vez vemos todas las posibles escenas mediante las cuales puede mostrarse lo incómodos que se sentian estos soldados con su nueva tarea, los cambios, el desarrollo y en si misma la película, transcurre durante la batalla, introducida a base de recuerdos, de flashbacks que alternan la gira mediática con lo ocurrido en Iwo Jima.
Personalmente pienso que la única posibilidad de compaginar ambas historias (la bélica y la propaganda) era efectivamente el flashback, y que está hecha de la mejor manera posible. De ahi deduzco que el fallo se basa, no en el recurso analéptico o el montaje, sino en el propioplanteamiento del guión: no se pueden mantener dos historias paralelas, una en la que no pase absolutamente nada y otra en la que ocurra todo y que cargue con el peso del desarrollo, personajes… y pretender que el público no se aburra o se sienta montado en un autobús que da frenazos, no todas las películas pueden ser “La delgada linea roja“.
En cuanto a la dirección, sobria, efectiva, elegante y clásica, propia de Eastwood, absolutamente ninguna queja, toda una muestra de como pueden narrarse escenas bélicas creibles, impactantes y sumergir al espectador en el espectáculo de horror que es una batalla sin cámara superrápida, hectolitros de sangre o exagerando el uso de la cámara de mano. Es más, me sorprendió muy gratamente el amplio uso de panorámicas de la isla y la batalla que se usan, impresionantes los barcos. Esto se debe en parte al gran despliegue técnico y presupuestario que ha tenido Eastwood, pero incluso para grandes producciones es todo una apuesta arriesgada mostrar el campo de batalla abarcando amplios terrenos, usando grandes planos generales describiendo toda una situación que en lo que llevo visto de cine bélico siempre tiende a resolverse con planos cortos y muy cerrados en los que todo el mundo muere, las balas zumban y el caos reinante pretende la claustrofobia del espectador.
En resumen, una buena película, como casi todo lo que pasa por las manos de este director, pero solo a partes y con gravísimos fallos en el ritmo del guión. Una pena. Impaciente espero las cartas niponas 
ARL
Tras un exámen cabrón y muchas horas de memorizar pequeños datos entre inútiles y curiosos, uno se siente algo vacio, cansado. Exhausto. Hasta los cojones, quiero decir. Y nada mejor que una escapada al cine para eludir preocupaciones y evadirse de la realidad. Ya puestos a ello, me dije, alguna película sencilla, una cinta que no requiera sesudo análisis y permitiese relegar a un negligente olvido todo lo visto tras engullirlo con mayor o menor agrado. Una comedia de consumo rápido, un romance idiota, algo pretendidamente original o una americanada (en el mal sentido de la palabra) que reuniese todo lo anterior. Así que elegí la peli esa de Will Ferrel.
De lo que no caí en la cuenta es de que el director de la cinta no es un don nadie, o al menos no desde que realizó “Monster’s Ball” o dirigió a Jhonny Deep en “Descubriendo nunca jamás” y es que Marc Foster puede ser algo novato (4 o 5 películas) pero sabe lo que hace el calvo este, o al menos así a mi me lo parece y consiguió dar completamente la vuelta a un filme del que no esperaba gran cosa.
Bien, el argumento de la película es difícilmente resumible sin evitar los spoilers o destriparla completamente, pero básicamente consiste en un sutil, divertido y surrealista juego literario. El inteligente y logrado guión de Zach Helm comienza mostrando la vida de un aburridísimo inspector de Hacienda, Will Ferrel, al que, de repente, su vida le es narrada, paso a paso por una extraña voz femenina. Solo el la escucha, únicamente narra sus actos y además, lo hace en tercera persona, objetiva, precisa y escalofriantemente omniscente. Lo sabe todo, el número de veces que se cepilla los dientes, los pasos que cuenta hasta llegar al autobús, hasta los descuidados pensamientos que tiene mientras archiva los expedientes en su trabajo entre cifras, números e informes urgentes, en esa clase de oficinas donde un despacho son tres paredes de cartón y todos los cuellos van atados por algo más que una corbata. Le confunde, asusta y compunge como cuenta cada acto que realiza, como relata la atracción repentina que siente por una pastelera anarcosindicalista (juas) encarnada por una encantadora Maggie Gyllenhaal, y continua detallando cada acto común de su vida hasta que de repente, hace una declaración aterrorizadora al hilo de su discurso: “No sospecha que este acto tan sencillo significará su muerte inminente”.
La cinta tras este extraño comienzo va conformando una situación irreal, mágica, atractiva, traspasando los planos, alterando las estructuras usuales en un juego literario. Y me recuerda gratamente a aquel fragmento de la novela (o nivola) de Unamuno: Niebla, en la que el autor mantenia una conversación con su propio personaje, Augusto Pérez. De la misma manera, el personaje de Ferrel, Harold Crick es narrado por una escritora, que redacta su novela (Emma Thompson).
Harold Crick, naturalmente, llegado a ese punto en el que se empieza a jugar con su vida se piensa majareta y busca ayuda acudiendo a un psicólogo que le dice que probablemente es esquizofrénico y más tarde, sospechando que puede estar inmerso en algún tipo de cuento o narración de algún tipo va a ver a un especialista en “teoria literaria” llamado Jules Hilbert (Dustin Hoffman). Jules es un intelectual bastante peculiar, catedrático, conferenciante, escritor y socorrista de la piscina de la universidad que se interesa por el caso de Harold investigando las cualidades del relato de su vida a partir del momento en él que comenzó a escuchar la voz, dilucidando entre otras cosas si es un drama o una comedia.
Con un guión así, es terríblemente fácil caer en lo pedante o en lo facilón, componer algo recargadísimo (esa voz interior con su vocabulario culto) o una comedia romántica de medio pelo (la relación de Will Ferrel con Maggie Gyllenhaal es muy bonita pero no se la cree ni el chico del sonido) y sin embargo Marc Foster consigue mantenerse en un estado completamente distinto, dotando a la película de una doble perspectiva de la que va saltando a retazos en el momento preciso, mostrando un montaje genialmente pensado en el que sin hacer perder el interés en absoluto cambia de perspectiva únicamente en el momento justo, encajando cada pieza del montaje paralelo con sobriedad y eficiencia , no como un complejo cubo de Rubick al estilo de la ópera prima de Nolan, Memento, o uno de esos puzzles corales de Gonzalez Iñárritu con su “triologia del dolor”, sino, sin alterar el tiempo, sin engañar o despistar o confundir al espectador, sin más intención que añadir algo a esa fracción de la película introduce las secuencias, enhebra las escenas y regala esta fantástica cinta.
Yo no se que coño le habran visto a Will Ferrel. Primero Woody Allen con Melinda & Melinda le dio algo de dignidad que perdió irremisiblemente en aquel remake de Embrujadas junto a Nicole Kidman, más tarde toda una serie de peliculillas ejem… de dudosa calidad aún como comedias, como aquella sobre la NASCAR de ridículo título. Y cuando creia que este actor ya solo le hacia gracia a los americanos, que a mi no me iba a decir nada, lo saca este director y me deja angustiado, mmm a ver si va a valer para algo el tipo este.
Como punto negativo (muy negativo) está el final, a mi parecer tremendamente cobarde y tópico, predecible ATENCIÓN: quien no haya visto la película y odie saber el final de novelas y películas, que no siga leyendo, debe terminar el artículo aqui, spoiler de los gordos.
Bien, legado el momento de finalizar la película vamos descubriendo que esa prestigiosa autora solo escribe dramas. Dramas preciosos, pero que finalizan siempre con la irónica y poética muerte del protagonista. Ella por supuesto ajena al infierno psicológico que vive el señor Crick se debate junto a su ayudante (impuesta por la editorial) sobre como matarlo, visitando hospitales puentes con problemas de tráfico y demás turismo inspirador. Paralelamente, Harold Crick descubre que efectivamente es el personaje de una novela, quien es su autora y que probablemente lo vaya a matar, de manera que contacta con ella desesperadamente, dándose el surrealista encuentro entre autor y personaje ya mencionado antes.
Tras hacerse con un ejemplar completo de la novela, Harold se lo entrega al crítico, Hilbert, que lo lee de un tirón, maravillándose de lo que el considera la novela maestra de la autora. Y cuando habla con Harold poco más o menos le convence de que se muera. De que esta autora jamás ha creado algo tan perfecto, y que debe entregar su vida en pos de esa novela.
Esta exhortación a la muerte por amor al arte, y sobre todo la resignada y fascinante aceptación de Harlod a morir tras leer el libro y reconocer, que merece la pena morir en pos de la literatura… Me parecia un final contundente, desgarrador. Incómodo para el espectador, capaz de conmover, de asombrar y de generar sentimientos más o menos profundos e interesantes, un final poético y trascendente.
Pero no, la peli es americana, la autora no lo mata, cambia el libro y el tio vive feliz y contento muchos años tirándose a Maggie Gyllenhaal, aquí se acaba la historia. Chim-púm, punto pelota.
Hay dias en que agradezco haber nacido aqui. En el culo de Europa, pero Europa al fin y al cabo.
Un año después de que el documentalista más famoso llegara a plantear un vuelco en las
elecciones con un estilo zarapastroso, un mensaje directo (casi agresivo) y poca obejtividad en Fahrenheit 9/11 llegó a nuestras carteleras en un plano más discreto Capturing the Friedman´s; un documental con una brillantez formal y una imaginación mucho mayor que el-último-gran-pelotazo en cuanto a documentales se refiere.
Capturing the Friedman´s parece que toma prestada la teoría de Hitchcock por la que el sujeto/objeto desencadenante de la acción es solo una mera excusa para expresar unos sentimientos (o teorías) mucho más interesantes. Sobre el papel la obra de Andrew Jarecki recupera una historia que “conmocionó” EEUU a finales de los años 80: el descubrimiento de que un padre de familia y profesor, Arnold Friedman y su hijo mayor Jesse Friedman habían estado abusando sexualmente de unos menores en la clase de informática que impartían por las tardes. En el fondo se muestra la putrefacta descomposición de una familia noqueada por un golpe que, aunque solo hubiera sido una acusación sin fundamento, arruinaría al común de los mortales.
El caso es idóneo, porque todo el proceso de descomposición está grabado por el hijo de Arnold Friedman en videos caseros de la época del proceso judicial, en un acto macabro que demuestra lo desequilibrada que estaba la familia en algunos sentidos. La madre se muestra escéptica ante la acusación y los hermanos y el padre la excluyen e ignoran, una situación que nada más que va a aumentar la locura y las discusiones en el seno de la familia. Finalmente son condenados y el padre, no pudiendo aceptar la situación (conducido a un callejón sin salida por la falta de apoyo entre la familia), se suicida en la cárcel; Jesse Friedman sin embargo es grabado saliendo de la cárcel 13 años después.
En cuanto a la dimensión del discurso se puede decir sin tapujos que Andrew Jarecki le da mil vueltas a Michael Moore, no solo porque mantiene la elegancia, la sutileza y el saboir faire como director en todo momento, sino también porque consigue hacer universal y atemporal un hecho puntual de la historia de América (y esto es de lo más importante), cosa que “el gordito” ni intuye en sus anteriores documentales, ambos superfluos y caducos.
No sé si Capturing the Friedman´s logrará hacerse un hueco en la historia del documental, si no lo hace tendremos la prueba de que la historia nunca fue justa con los discretos. Desde mi punto de vista, este documental se merece el puesto desde ya.
Un saludo después de tanto tiempo.
Puntuación: **** 1/2
LTP.
¡¡ESPECTACULAR!!
Alex
La nueva película “española” de Gillermo del Toro pretende retratar la Guerra Civil española desde una perspectiva solo antes vista en su El Espinazo del Diablo, y el resultado es bastante satisfactorio.
Cuando entramos en la sala todos esperamos ver un cuento de hadas dulce y maravilloso encuadrado en un mundo difícil, pero todo cambia cuando vemos en primer plano como el general franquista le hunde literalmente la cara con una botella de vino a un pobre hombre que solo estaba cazando conejos. Es un mundo duro entre las paredes de la fantasía. A veces da la sensación de que las dos historias que cuenta son tan dispares que no concuerdan bien como una única película, pero cada una por separado tiene momentos de tanta lucidez que en el resultado final solo nos queda descubrirnos ante para mi gusto la segunda mejor película del año, española, mexicana o americana.
Gillermo del Toro da una consistencia a la película muy fuerte y crea su mejor película hasta el momento acompañado de unos actores que se salen del papel. Una muy buena elección la de Ivana Baquero, siempre es difícil ecoger un niño-actor, y esta niña mantiene la dulzura sin pasarse de melosa. Maribel Verdú como siempre maravillosa, afeada y maravillosa, lo mismo que Ariadna Gil. Y me dejo para el final la mejor actuación de lejos: Sergi López al que le acompaña el personaje más complejo y despiadado de la película, el más atractivo.
El Laberinto del Fauno es de obligada visión para estar al día y para conocer la mejor película de la promesa convertida en realidad llamada Guillermo del Toro.
Lo reconozco, soy un principiante y todavía no he visto todas las películas que me gustaría. Me quedan
muchas de Hitchcock que ver y para seguir con mi “instrucción” ayer me vi Marnie, la Ladrona.
En esta ocasión se nos presenta a un Hitchcock interesado de nuevo por el (desfasado?) psicoánalisis, con unos actores que no son los suyos y llevándolo todo a buen puerto con su saber hacer. A buen puerto porque el rodaje según he leido fue bastante accidentado; para el papel de Marnie tenían contratada a Grace Kelly, actriz fetiche del director, pero por el alto cargo que esta ocupaba (o iba a ocupar, no sé) no pudo hacer el papel y se lo tuvo que dejar a la actriz de los pájaros. Sin embargo más que a Grace Kelly yo echo en falta a un buen Cary Grant que cubra el puesto de Sean Connery, y precisamente creo que a Hitchcock le pasó lo mismo durante el rodaje: que no se sintió cómodo con los actores principales y que por eso no convirtió Marnie, la Ladrona en un clásico.
A esta sernsación también tenemos que unir el hecho de que el material con el que trabaja Hitchcock es un regularcillo: un Sean Connery riquito saca de su trauma a una (desagradable) Tippi Hedren con unos simplísimos trucos de psicoanalista de manual. Si este material lo hubiera tocado (casi) cualquier otro director se habría convertido en un panfleto aburrido y anticuado, pero señores, hablamos de Hitchcock.
El buen saber hacer del director dota de mucha coherencia al guión y ofrece una buena tanda de madres obsesivas, cierta sexualidad ecubierta y ese humor tan sutil que destila en muchas ocasiones.
Es inevitable comparar la película que nos ocupa con Recuerda, donde también se toca el tema del psicoanálisis pero desde un punto de vista mucho más inocente. Mientras que en Recuerda es Gregory Peck quien está amnésico e Ingrid Bergman llevada por el amor le ayuda; en Marnie hablamos de la chica amnésica que se ve ayudada contra su voluntad por un hombre que está obsesionado por ella y por su sexualidad más que ayudarla por amor.
En fin, Marnie la Ladrona no es un gran clásico de Hitchcock, pero sí una película remarcable fuera y dentro de su filmografía a pesar de que haya podido quedar un poco desfasada por el tema del psicoanálisis y tal.
Puntuación: ****
LTP.
Que grande es el cine en Manhattan. Cuando comenté un poco por encima Septiembre, hace unos dias, tenia pendiente en uno de mis repletos DvD’s cinéfilos una cinta más de este director, aguardando cual bala en la recámara. Esta otra cinta de Woody Allen es una de sus mejores comedias, y al hilo de lo que decíamos de Septiembre, también es una de esas historias tan típicas de Allen, tan propia de el que su estilo es francamente reconocible, de las que poseen su marca impresa. Una historia típica de Allen pero completamente inversa a Septiembre en todo sentido.
Bien. Balas sobre Broadway trata de dramaturgos y gangsters, de mafia y teatro. John Cusack, que posee el honor de ser uno de mis tres actores actuales favoritos junto a Johnny Deep y John Malkovich. Vaya, curiosamente los tres se llaman John… Ya se que nombre ponerle a mi hipotético hijo, bueno que me desvio. Como decia, el bueno de Cusack interpreta a un autor de teatro americano al uso de 1920, un ratón de biblioteca intelectual pobre como los mismos roedores, neurótico, excéntrico, y a veces (las más) pedante y recargado. Así es el personaje, David Shayne.
Bien, la historia comienza con Shayne proponiendo a su productor (Realizado por el recientemente fallecido Jack Warden, el cual también aparecia en Septiembre) dirigir su propia obra, y la realización del sueño del autor al obtener el dinero necesario para montarla de uno de los capos de la mafia local (Joe Viterelli) que quiere convertir a su horripilante amiga, Olive Neal (Jennifer Tilly, nominada al Oscar por este papel) en una estrella de la actuación. La pega, claro está, que el prerequisito para la subvención mafiosa, incluye un papel para la pobre Olive…
… Que es, como poco, hortera, bajuna, engreida y tiene voz de arpia.
La cinta sigue los esfuerzos del director por llevar a buen término la obra, lidiando con los actores, luchando para sacarla adelante y sobre todo incluyendo numerosos retoques y variaciones en la historia, mientras mantiene una relación ilícita con su actriz principal, Helen Sinclair (Diane Wiest) .
Durante este proceso, evidentemente, los lios y desvarios entre actores y personajes componen una muy buena postal del neurótico, apresurado e histérico humor del señor Allen, reflejado el mismo quizás en el personaje de John Cusack.
Al iniciar el post comenté que me parecia una historia típica de Allen, y es por la presencia del “punto cómico”, cada historia de Woody Allen es una anécdota en si misma, hasta ahora el humor descrito es meramente de situación, muy visual, si no lo ves, no hace gracia, por mucho que te lo cuenten. El quid cómico de la historia está en el gángster que envian a vigilar/proteger a Oliva, de nombre Cheek (Chazz Palmieri, ya aparecido en Sospechosos Habituales y Una historia del Bronx). Este gángster al más puro violento estilo de los años veinte, resulta ser un genio dramático, llegando a reescribir el guión bajo mano para el director. De hecho, el clímax de la cinta se alcanza cuando el sentimiento de autor del gángster es tan fuerte que…
Noo.. no voy a desvelar más trama
En resumen, esta es una película decente, una señora comedia digamos. Divertida, inteligente, asequible y bien rodada. No es una obra maestra, pero de estas es necesario que haya pocas. No nos dejes Woody.
ARL
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