El Trastero

Parece ser que hoy es el dia de los John, de manera que paso a hablar ahora sobre otro archiconocido “Juan”. Es el turno de John J. Rambo, señoras y señores.

La primera película en la que Silvester Stallone interpretó a John Rambo fué en First Blood (título español: Acorralado), dirigida por Ted Kotcheff. Una pelicula de acción basada en la novela de David Morrell sobre un boina verde que regresa de Vietnam afectado psicológicamente por la guerra. Encontrándose completamente solo, carente de familia o amigos y atormentado por el infierno al que sobrevivió Rambo deambula buscando a sus compañeros de guerra. Pero Rambo es el único superviviente.
Al pasar por un pequeño y tranquilo pueblecito rural es detenido por el Sheriff local (Brian Dennehy) y tratado como un delincuente o un vagabundo. Abusos policiales, desprecio, en el calabozo Rambo recuerda horribles episodios de su estancia en Vietnam y escapa de la comisaria enfrentándose a cuantos policias encuentra en su camino. Al refugiarse Rambo en los frondosos y muy profundos bosques del norte de América comienza una verdadera guerra de guerrillas en la que está perfectamente en su ambiente.
La película nos muestra a un hombretón poco hablador y bastante primario, experto en combate pero poco más. Afectivamente desmontado, perdido y superado por un pais donde los ex-militares de Vietnam están mal considerados y peor vistos, nuestro Rambo es como un pobre chico que repetidamente intenta rendirse pero al que la odiosa obcecación policial le obliga a combatir. Durante la cinta Stallone interpreta a un personaje que se derrumba, balbuceando y echándose a llorar, mentalmente deshecho, realmente afectado por la guerra.

Es cine de acción, una buena película de acción. Relativamente creible, con una profundidad aceptable y un guión decente. De lo mejor de la cinta son las apariciones del Coronel Samuel Trautman (Richard Crenna), pronunciando alguna de las míticas frases por las que es famosa esta cinta (Comeria cosas que harian vomitar a una cabra). La denuncia social sobre los perdidos veteranos de la guerra verde que volvieron completamente deshauciados de su vida es constante durante todo el relato y sin ser demasiado marcada en ningún momento. Es la parte “aleccionadora” de la película en la que se pretende comunicarnos algo más que disparos y sangre.
Ciertamente, Stallone en el papel del aturdido e inexpresivo Rambo no está nada mal, ya que es un papel exactamente a su medida, netamente hierático y con aire aturdido, lo cual aún sin carecer de mucha complicación, realiza bien. El ritmo de la película mantiene la acción dosificada al principio, manteniendo un crescendo constante , bien incluida en la historia, y ni aún las brutales escenas de la M60 que porta el boina verde al final de la cinta, son del todo disparatadas, compensándose con las escenas de la lucha en el bosque, donde Rambo demuestra todo su potencial camuflándose en unas imágenes que dejan en la película una buena impresión, cumpliendo con lo que pretende: Entretenimiento.

Aunque se eche de menos algo más de dramatismo, no en Stallone, el cual lo interpreta decentemente, sino en el final. La novela terminaba con Rambo pegándose un tiro acorralado en su desesperación. Mientras que en la cinta se entrega a la policia convencido por su Coronel.

ARL

“Al 90% de las personas de este planeta, sobre todo de Occidente, las ha traido al mundo una botella de Whisky un sábado por la noche, y el hijo no figuraba entre los planes.”

John Lennon, producto de una botella de whisky, nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool. Desde ese momento la tutela la asumió tía Mimi. A su padre no lo vio nunca y es como si no existiera, pronto lo olvidó; sin embargo a su madre sí la veia de vez en cuando y nunca dejó de quererla. Una infancia difícil le llevó tópicamente hacia una adolescencia conflictiva. A pesar de que todos los profesores lo consideraban un alumno aventajado intelectualmente, nuestro músico no se preocupaba en demasía por los libros de texto y poco a poco fue creando una fachada para protegerse de los demás que lo convirtió en todo un teddy boy (lo que hoy se conoce como kani, pero que siempre ha existido, por lo visto) allá por su estancia en la escuela de arte, donde conoció a la que sería su primera mujer: Cynthia.

También por la época de la escuela de arte conoció a un tal Paul McCartney con el que se llevaba dos años y que vivía en una zona residencial de clase media con su padre, que le había enseñado a tocar instrumentos. Empezaron intercambiando grabaciones de Jerry Lee Lewis y demás hasta que un día decidieron ellos dos formar un grupo. Lo siguiente fue buscar un guitarrista, para ello Paul presentó en una especie de casting a un tal George Harrison que tenía una guitarra y 3 años menos que John. Fue aceptado.

Todos sabemos la dificultad de acceder al mundo de las discográficas y los conciertos y demás parafernalia artística, por eso no es de extrañar que los tres Beatles a falta de un buen batería fijo, aceptaran un contrato para tocar en los clubes de Hamburgo, fuera de su pais natal y aún muy jóvenes. Abandonaron los estudios y se fueron a tocar en cuchitriles de mala muerte donde les pagaban una miseria viviendo en cuartos colindantes a estercoleros por hacerse con algo de fama. Poco a poco se hicieron un nombre y todos querían verlos en el Cavern Club. Un día normal y corriente apareció por allí un batería de un grupo mayor que el suyo que también turulaba por los clubes de Hamburgo, un tal Starkey, le gustó mucho el grupo y cuando John (líder del grupo por ese momento) le propuso entrar en él no lo dudó y lo hizo, buena elección. La verdad es que en ese momento todos respetaban bastante a Ringo Starkey (Starr), solía vestir una chupa de cuero y unas gafas de sol, y parecía mucho mayor (un año más que Lennon) Ya estaban los clásicos Beatles, justo en el momento en que se fue el bajista primitivo cuyo nombre no recuerdo.

Paul, John, Ringo y George harían historia.

Lo siguiente es su vuelta a Inglaterra y la publicación de Please please Me, que ya hemos comentado. Pero el verdadero reconociemiento les llega con la peli y su banda sonora: A Hard Day´s Night. La verdad es que la peli está bastante bien, la recomineod sobre todo por verlos en su propia salsa, el humor del personaje que nos ocupa es irresistible, su carisma inigualable, por eso y aunque nadie dijera nada, en ese momento John Lennon era el líder de la banda, seguido de cerca por un ¿celoso? Paul McCartney.

Sin embargo las tornas van girando poco a poco y Macca va adquiriendo protagonismo en discos como Rubber Soul o Revolver y John se queda un poco en la estacada compositivamente hablando. Aún sin ser el líder conseguía desmarcar los discos de los Beatles de la calificación de pop que asignaba Paul con sus característico estilo, y los solía llevar a terrenos más rock, John Lennon era el más rockero. Canciones como Come Together o I Want You lo demuestran, aún teniendo melodías irresistiblemente psicodélicas como Lucy in the Sky of Diamonds o Strawberry Fields Forever.

Las tensiones entre los Beatles fueron en incremento con el paso de los años y la muerte del mánager Brian Epstein las acrecentaron aún más. Además, claro de las apariciones en escena de las parejas de Paul (Linda) y John (la archidenostada Yoko Ono). Yoko se pasaba el día en el estudio junto a John porque no podían estar separados un segundo, el resultado fue la ruptura de los Beatles, decidida por John Lennon.

Cansado de la vida que había llevado con los Beatles y alentado por Yoko Ono nuestro John Lennon se aplicó una terapia de moda en ese momento: Primal Scream Therapy. Terapia de la que un grupo ha tomado su nombre y que parió el mejor álbum de John en solitario: Plastic Ono Band. Un grito descarnado en el que se desnudaba en alma demandando a sus padres por su infancia (Mother), o criticando a todo Dios, nunca mejor dicho (God). Por esa época también hizo comentarios bastante incendiarios criticando a su antigua formación, además de actos públicos como estar varios días en una cama grabado por la cámaras en protesta de la guerra de Vietnam, junto a Yoko, claro.

En fin, por esos momentos (casi como antes) su vida está llena repleta de escándalos mediáticos. También ocurrían cosas trascendentales para su vida como la confirmación de su segundo matrimonio en Gibraltar y vestidos de blanco ambos dos. En fin, entre hecho y hecho John consiguió publicar su segundo disco en solitario, Imagine. Aquí descubrió que todo mensaje duro entraba mejor con azúcar por encima (caso de la canción que da título al LP), un muy buen álbum. Por estas fechas nace el primer hijo del matrimonio Sean Lennon (que acaba de publicar un estimable LP: Friendly Fire). La verdad, para los fans de John este es un hijo no deseado, se decidió a criarlo y a dedicarse a las tareas del hogar (cosa rara en esa época) mientras que Yoko se encargaba de los negocios. Cinco años después y ya en 1980 John se decide a preparar un nuevo disco con su mujer: Double Fantasy, un álbum con canciones estimables y otras que son un rollo (las de Yoko, pa´ que engañarnos).

Para promocionar su álbum organizó una entrevista con la revista Rolling Stone en la que se hizo una de las fotografías mas famosas de su historia, y su última entrevista. Aquí está ->.

Tras salir de la entrevista con nuevo peinado, por cierto (estilo McGyver) se dirigió con Yoko al Dakota (donde se alojaban), ahí le esperaba un “fan”: Mark Chapman que tras pedirle un autógrafo le propinó dos disparos.

FIN

P.D: Un gran recopilatorio con lo mejor de la carrera de John Lennon en solitario es el recientemente publicado: A Working Class Hero, con dos cd´s.

John Lennon- God:

John Lennon-Declaraciones sobre su libro en la televisión (para los que sepan algo de inglés).

Sin duda todos tenemos un reproductor de audio preferido. Estos programas normalmente denotan mucho de la actitud del dueño y es algo que normalmente sufre muchísima personalización, pues cada persona tiene unos gustos muy concretos sobre como le gusta escuchar su música. Unos usan el Winamp, el bienvenido y nuevo Itunes, el magnífico pero avanzado y algo geek Foobar2000 o siguen anclados en las antediluvianas versinoes del Windows Media Player o Real player y todos esos reproductores “corporativos” que no valen gran cosa.

Personalmente cuando estoy en el sistema operativo del viejo amigo Guillermito Puertas uso el Foobar2000, el cual me permite maravillas varias como accesos de teclado globales, playlist en pestañas y cientos de scripts para añadir a este reproductor.

Pero si uso Foobar es simplemente porque el grande de los grandes, Amarok, no está disponible para ese sistema operativo. Si oís bien. Amarok es un reproductor de música que lleva mucho más allá la mera reproducción de archivos de audio, es el programa que todo melómano lleva siempre consigo y considera imprescindible. El nombre de reproductor viene de el albúm de Mike Oldfield “Amarok”. Como “amaroq” en Inuktiut significa “lobo” el programa usa lobos para sus logos y diseños. Está bajo licencia GPL y especialmente diseñado para entornos KDE, aunque no forma parte del proyecto oficial del escritorio. Yo lo tengo corriendo en mi ubuntu con resultados inmejorables. Tan grande es su atractivo que en Windows ya me siento algo más huérfano si no puedo usarlo. El equipo de desarrollo trabaja mucho en su usabilidad, creando distintos menús y opciones avanzadas para que puedan ser usadas de la forma más intuitivas posible mediante gráficos y simples clicks del ratón. Sus opciones y características son tantas y tan buenas que cuesta enumerarlas (y algunas incluso describirlas) pero se intentará de todas maneras.

(Pulsar sobre las imágenes para ampliar).

1º. Orden
Amarok incorpora una organización basada en base de datos tanto Mysql, SQL (más lenta que Mysql pero no tienes que configurar nada) o PostgreSQL. Nos permite ordenar los discos por artista, album, duración, tipo o estilo de música… También incluye una herramienta de organización de Playlist o listas de reproducción bastante avanzada.

A la hora de encontrar discos o canciones Amarok incluye un filtro bastante potente con el que se accede rápidamente a la canción que se busca, permitiendo múltiples busquedas y sin complicaciones innecesarias (Foobar tiene una ventana fotante para las búsquedas e Itunes pierde el foco de la canción cuando se borra el contenido de la búsqueda).

2º. Edición de pistas y TAG’s.

Uno de los sucesos más incómodos para las personas que poseen grandes bibliotecas de audio es la presencia de TAG’s variados o etiquetas equivocadas. Por ejemplo a nadie le gusta tener en el Ipod cuatro grupos diferentes que se llamen Sfdk SFDK , sfdk y SfDk. Amarok permite una edición de tags masiva, seleccionando el las canciones edita el contenido de autor, disco etc… de las mismas.

No contentos con ello también se suele utilizar la pestaña “información” sobre un disco o una canción, en la que introduciendo el nombre y simplemente pulsando un botón Amarok busca en Internet los datos de la canción que hemos dejado en blanco.

3º. Puntuación

Habiéndose puesto de moda recientmente el reproductor Itunes debido a la encantadora influencia del Ipod todos conocemos el sistema de “puntuación” por estrellitas que el reproductor de Apple poseia, ofreciéndonos posibilidades de posición o de relleno del ipod conforme a las canciones con mayor número de estrellitas.

Amarok va bastante más allá, e incluye el mismo sistema de estrellas (manual) y un script de rating que puntua las canciones escuchadas automáticamente basándose en el número de veces que la hemos escuchado y viendo si hemos llegado hasta el final de la canción, asi como el tiempo de reproducción total de la misma en nuestro ordenador. En base a esos datos valora la importancia de la pista en nuestros gustos musicales y la puntua en consecuencia (puntuación que puede limitarse únicamente al disco completo, y no canción a canción).

4º. Carátulas

Si, habeis oido bien. Amarok se descarga automáticamente en la mayoria de los casos las carátulas de los discos de la biblioteca, de manera que aparecen en la barra izquierda durante la reproducción o en la pequeña miniatura que surge para avisarnos de que título estamos escuchando o del estado del reproductor.

Las carátulas pueden verse a tamaño real y el script de Amarok las consigue desde la web de Amazon.com, pudiendo descargarse en el disco duro y guardarse en el formato deseado y ordenarlas por carpetas con el administrador de carátulas. Sin duda toda una mejora. El programa nos permite ir directamente a Amazon para adquirir el disco si asi lo deseamos y comprarlo via online.

5º. Letras

Amarok utiliza varios motores de búsqueda y distintos scripts para buscar (y encontrar en el 90% de los casos) la letra de las canciones en reproducción. Esto, de una gran utilidad para cualquier interesado en la música es una cualidad de la que solo he visto capaz a este reproductor ya que que yo sepa ningún otro lo incluye. Para acceder a la letra de una canción solo hay que acceder a la pestaña de Lirycs del reproductor.

Es rara la canción que no aparece en sus bases de datos, de todas maneras si por algún casual esta no estuviese, siempre da la opción de ver otras letras del mismo disco o autor.

6º. Información sobre el Artista

La verdad es que me quedé boquiabierto cuando ví esta opción en mi reproductor, de la misma manera que podemos obtener letras en una de las pestañas de opciones también podemos obtener toneladas de información sobre el artista, mediante un script que pide el texto a la Wikipedia. en las imagene se muestra un largo texto en inglés, pero en realidad el texto aparece en el idioma que nos interese, bien en español , inglés, francés…

Como podeis ver arriba también posee las sub-opciones de interesarse por la página web propia el artista, la del disco o de la canción en concreto (en caso de que exista) aparte de abrir en el explorador configurado la información. Una herramienta utilísima para interesados en la música y es que a golpe de cilck pueden poseer la carátula del disco, las letras y toda la información disponible sobre el artista todo en el mismo programa, automatizado y visualmente sencillo.

7º. Sincronización con Ipod, Iriver y Mp3’s generico

El programa posee una extensa y potente opción para sincronizar distintos reproductores mp3 via usb. Admite los preciosos Ipod , los Iriver y todos los mp3 normales de formato VFAT.

Según podeis apreciar, el paso de canciones y su visualizaciones es muy similar a las del Itunes, pero mejorando bastante el tiempo de gestión de las mismas.
Permite una interacción perfecta con el Ipod Video, Ipod Nano, Ipod Shuffle y toda la saga de Irivers.

8º. Integración K3b

La integración con K3b (un programa de grabación muy similar al famoso Nero) viene a significar que podemos grabar nestras canciones con apenas un par de cliks. Concretamente el menú que aparece al pulsar el botón derecho nos da opción de grabar las canciones seleccionadas, los discos seleccionados o todas las canciones del autor, en un CD de música estandar o un CD/DVD de datos.

9º. Soporte para Podcast

Por si fuera poco, para los aficionados al Podcast (Un tipo de blog en el que las entradas son archivos .mp3 de audio y se bajan automáticamente). En Amarok el robot de RSS hace pasadas continuamente a los feeds o direcciones establecidas descargandose las novedades directamente al disco duro del usuario en la carpeta dispuesta quedando listos para su reproducción desde el programa :D.

10º. Radio

Amarok está capacitado para sintonizar cualquier radio via inet, el cual puede conectar a Last.fm o cualquier otra cadena.

11º. Cualidades Técnicas

Amarok Funciona con los motores de audio Gstreamer, Heilx, MAS, NMM, Xine y Alsa. Y reproduce de forma nativa los formatos WMA, Mp4 (Acc), Mp3, y Real Media. Pudiendo añadírsele el soporte para MPC, Ogg y otros formatos. También tiene un sistema de conexión a www.audioscrobbler.com en el que mediante un registro podemos contribuir a generar estadísticas sobre la música que escuchamos y ver lo que suelen escuchar otros usuarios.

Estas cualiadades hacen de Amarok un reproductor único y que se pasa por el forro a la practica totalidad de competidores, más si tenemos en cuenta su consumo de RAM y CPU, bastante bajos, similares al del Windows Media Player pero evidentemente con decenas de mejoras.

La instalación, al menos en sistemas Debian es sorprendentemente sencilla, contando únicamente con tener que usar una sencilla linea de comandos:
sudo apt-get install amarok

Acto seguido, el programa se baja, se instala y configura inmediatamente. Si bien para usar el idioma español (en las fotografias sale en inglés pero tiene una amplia variedad de idiomas incluyendo el catalán o el gallego).

Para usar el idioma castellano solo hay que instalar el paquete kde-i18n-es

sudo apt-get install kde-i18n-es

Tras lo cual hay que introducirse en el directorio

“Carpeta Personal”/.kde/share/config

(recuerdo que para ver carpetas ocultas (./ABC) en el entorno gráfico hay que pulsar CNTRL+H al menos en Ubuntu.
Editamos el archivo “kdeglobals” y localizamos la linea que pone “Language=’es_US’” para substituir el es_Us por es.

ARL

En el Oeste, Por un puñado más de dólares se dispara, se mata, se traiciona. El spaguetti western es un género trillado por la inmensa cantidad de producciones de bajo nivel que hicieron furor en la Europa de los cincuenta. Y Leone es el máximo exponente. La triologia sobre el Oeste que rodó protagonizada por Clint Eastwood a parte de hacerlo mundialmente famoso es una de las cumbres del cine. Por un puñado de dólares, La muerte tenia un precio, El bueno el Feo y el malo. El género alcanzó su cumbre y su ocaso con Hasta que llegó su hora (Once upon in the West), en la que ya no participó Eastwood.

Pero dediquémonos a la película que nos ocupa. La muerte tenia un precio fué la segunda película de Eastwood con Leone. Y es sinceramente una de mis películas más queridas.

La cinta nos avisa nada más comenzar que la historia transcurre en un lugar donde la vida no valia nada, pero la muerte tenia un buen precio. Como no, se presentan a los personajes. Unos tipos callados, duros, arrogantes. Hombres enteros usualmente silenciosos que solo rompen su mutismo para dictar frases como sentencias. El primer protagonista en ser presentado es Lee van Cliff , en el papel del Coronel Douglas Mortimer, coprotagonista con Eastwood. Muy especial atención a las primeras tomas de este personaje, concretamente una vez se baja del tren y habla con el encargado de la taquilla de la estación. En esa misma escena se puede ver cual es una de las constantes de Leone: las miradas, de las cuales hablaremos más adelante.

Nuestro otro “héroe” es como no Clint Eastwood, que nos es presentado como siempre con un cigarro y su poncho (que compró el mismo en Almeria cuando rodó “Por un puñado de dólares” y que luego continuó llevando en el resto de películas). Al presentar a este otro cazarrecompensas se nos muestra una nueva característica de Leone y es la tensión, la violencia contenida en el ambiente que de repente estalla en escenas realmente breves, y es que la agresividad, pesea estar presente en todo el film solo se materializa en distintas “crisis” siendo más inquietante para el espectador las escenas previas que los tiroteos en si, a diferencia de otras cintas donde lo que se pretende es exaltar al público con pelea constante o enfrentamiento a tiros (lo cual no quiere decir para nada acción, un tiroteo puede ser mortal mente aburrido) como en Piratas del Caribe, que aún sin ser una mala cinta adolece de que los duelos se hacian eternos, las peleas se alargaban en el tiempo o se sucedian tan rápidamente que el guión a veces se traducia en pequeños gags entre ostias.

El tercero en discordia es “El Indio” (Gian Maria Volonte) , el cual ya actuó junto a Eastwood y Leone como Ramón Rojo en “Por un puñado de dólares“. Encarna al asesino inteligente y un punto psicópata que es ejercido con maestria por el actor.

No describiré la trama para no desvelar los giros del guión, sin embargo voy a destripar la pelicula cuanto pueda.
En un segundo visionado, para un espectador atento se pueden encontrar cuales son los principales recursos y/o vicios de Leone tanto al escribir sus guiones, definir personajes, mover la cámara o dirigir a los actores.

Los personajes de Leone nunca son enteramente legales o bondadosos. Se diferenca entre los duros hombres arrogantes que se conforman con la recompensa, y los arrogantes hombres duros que quieren el dinero del banco. Ambos son de la misma clase, del mismo corte, solo hay pequeños matices entre ellos. En la escritura de un guión Leone pone empeño en demostrar que solo sutiles rasgos los diferencian a unos de otros, pero que hay diferencia. En “Por un puñado de dólares” y “La muerte tiene un precio” la distinción entre los cazarrecompensas y los bandidos es observable, sin embargo e “El bueno, el feo y el malo” Gian Maria no es el antagonista, siéndolo Lee van Cliff, el cual se asemeja en muchos más puntos a Eastwood, careciendo de ese toque salvaje y algo loco de Gian Maria, siendo su mayor característica ese hieratismo inquietante y su ropa de color oscuro.

Si nos fijamos, los guiones de Leone suelen caracterizarse de giros del guión que aumentan la historia sin cambiar su sentido, sin retorceria ni llegar a marear al expectado. Aumentando las localizaciones de los rodajes y la “odisea” en tanto las películas iban creciendo en presupuesto. La primera cinta “Por un puñado de dólares” apenas si se rodaba en el mismo pueblo, que eran unas cinco o seis casas en una calle con un pozo, mientras que La muerte tenia un precio las localizaciones pasan a tres, siendo El Paso, La guarida de El Indio y ese pueblo Mexicano las principales, hasta acabar en El bueno el feo y el malo, donde la propia ventura mueve a los personajes dando saltos de un sitio a otro y acontecen escenas espectaculares en grandes paisajes, como la batalla en el puente.

Algo común en el cine de Leone es que todas las historias giran en torno a un Mcguffin cargado de billetes, que hace entrelazarse las tramas, las disuelve en motivos personales y perfila la aventura. El cuarto personaje (Siempre hay un bueno, un feo y un malo) viste de verde y frecuenta los bancos. Todos en estas cintas son mercenarios y se mueven en pos del dinero sin demasiados complejos, al menos inicialmente, poco a poco más tarde se va entreviendo motivos personales en las acciones de cada individuo. Anti-héroes que normalmente acaban comportándose de manera decente… de vez en cuando.

También destaca en este tipo de cine (y sobre todo en esta película) la gran profundidad que alcanzan los personajes. Acaban siéndonos conocidos, manoseados, no conocemos hasta el fondo de sus intenciones, lo cual hace que no pierdan su interés, pero sabemos como se sienten. Los personajes nos parecen dimensionados, tangibles, reales a golpe de primerisimos planos, que son una constante en Leone muy imitada por muchos otros directores, aunque en su mayoria con resultados mediocres.

Leone usa muchisimo el primer plano, continuamente encontramos encuadres del rostro de los personajes, o primeros planos con fondo en una segunda figura detrás . Este tipo de enfoque dota de un matiz “psicológico” o sentimental, dando la oportunidad de lucirse a actores decentes, los cuales necesitan realizar una actuación más destacada, guardar las cualidades de su papel y meterse profundamente en el personaje.
Los primeros planos de miradas también destacan mucho y han sido copiados hasta la saciedad con mayor o menor acierto por muchos directores. Gran ejemplo de ello es la secuencia en la primera parte donde se produce la primera apareición del dichoso reloj. Una escena de tensión como pocas veces se ha visto en el cine, lograda a base de una serie de encuadres en los que los personajes mueven los ojos para mirarse (se presupone) unos a otros, creando una atmósfera de desconfianza o de expectación muy conseguida, en la que sin embargo nos ha sugerido inquietud antes de mostrarnos nada, simplemente con las miradas de los cuatreros. Leone maneja muy bien las “conexiones visuales”, en cada primer plano el personaje deja de mirar algo y cambia para mirar directamente a la cámara, incluyendo al espectador dentro del círculo, haciendo que participe de lleno en la película mirándolo fijamente, como el primer fotograma que he usado de Lee van Cliff.

Y hablando del reloj de antes, que es una caja de música, no podemos dejar de mencionar lo más famoso quizás de toda esta serie de películas, y es la banda sonora de Ennio Morricone . Este compositor Italiano compuso la banda sonora de los cuatro spaguetti westerns de Leone (y de Los Intocables, y de Kill Bill… ). Su música, es una áspera melodia de muerte, sencilla, pegadiza y estremecedora. Es especialmente conocida la de El bueno, el Feo y el malo (que podeis ver aqui) aunque mi favorita es la de Hasta que llegó su hora (aqui). Las melodias pertenecientes a Por un puñado de dólares y La muerte tenia un precio son el arquetipo de música conocida que forma parte de nuestro perdido fondo televisivo, que todos recuerdan y al menos han oido silvar. Una de las escenas finales con la melodia en su máximo esplendor de Por un puñado de dólares es visible aqui. Sin embargo, en La muerte tenia un precio no es únicamente una única melodia la que tiene el protagonismo musical de la cinta. El enorme jugo que morricone exprime a una sencilla caja de música jugando con los acordes y las imágenes es sin duda genial, una música nostálgica, en brutal contraste con la aspereza de las imágenes mostradas. Nos despedimos con el.

Atención!: La escena es el final, en el video aparece completa, si solo quereis escuchar la melodia sin desvelar el final de la película paradla en torno a la mitad del video de youtube.

Que lo disfruteis.

ARL

Simplemente por contener algunas de las mejores canciones de la historia de The Beatles, y de toda la música del siglo XX ya es una obra maestra. No sería innovador decir que los Beatles es el grupo más relevante del siglo pasado, y como tal, su penúltimo disco de estudio editado y último grabado es una joya, un patrimonio de la humanidad, ABBEY ROAD. No creería ser injusto si dijera que este grupo se encuentra entre las 10 entidades más relevantes de la historia de Gran Bretaña, junto a la Reina de Inglaterra (alto y sonoro JUAS).
Hecha la introducción doy paso a una pequeña reseña del álbum, canción a canción: Abbey Road, señoras y señores.
Este álbum contiene algunas de las mejores canciones de los Fab Four; supone la auténtica consagración de George Harrison como letrista (tras la broma de Sgt. Peppers within you, without you) con Something y el folk de Here comes the sun; la reafirmacion de que:
- John Lennon es el rockero con I want you o el clásico insuperable Come Together, (criticada en su tiempo por plagio de una cancion de ¿Jerry Lee Lewis?, porque se inspira en ella y su primer verso es igual (she come old flattop…, debe ser, yo no he escuchado la cancion en la que se inspira)).
- Paul MacCartney es insuperable creando gemas pop, INSUPERABLE, sus máximos exponentes en Abbey Road son, desde mi punto de vista, You Never Give me Your Money, amarga y la simpática Maxwell´s Silver Hammond.
Por otra parte se han de resaltar dos puntos de uno de los mejores y mas intuitivos baterías de todos los tiempos, Mr. Starkey:
1.- El gran trabajo en la bateria, nada nuevo en realidad…
2.- La composición de su primera gran canción, simpática y realmente a la altura de muchas composiciones Lennon- Maccartney- Harrison: Octopus´s Garden
En fin, un gran disco que sirve como colofón a una carrera llena de éxitos y gloria y que acabó quemada por los agentes externos a la formacion del grupo, como Yoko, siempre presente en el estudio, o el mánager ese que ficharon después de la desunidora muerte de Brian Epstein. En esta etapa final, y quizás en menor medida en este disco, se nota una gran desunión en el grupo que se percibe en las diferentes tendencias que toman los miembros, quedando en el centro Ringo Starr. John Lennon se apunta al activismo político; Paul Maccartney sigue en la autocomplaciencia de dominación que lo hacia tan egocéntrico y que lo llevó a ser el “líder” del grupo esos días; y George Harrison se ve cada vez más involucrado en la música hindú y su cultura.
Aun con el handicap de la desunión nunca fueron un grupo siquiera mediocre, discos como The White Album o Let it Be son caóticos en sus pasos de una cancion a otra por el cambio radical de estilo que suponen a nivel musical y lírico, pero no por eso dejan de ser estimulantes, como lei una vez en una critica de Let it Be, sí, es una caos, pero un caos ultraestimulante, asi se podría resumir la última etapa de The Beatles, comprendiendo desde el álbum blanco hasta abbey road, este último en menor medida, pasando por supuesto por let it be, que fue grabado antes que Abbey Road.

John Lennon cantando uno de los clásicos de Abbey Road.

LTP.

Una portada de extraña belleza retrata a la perfección el álbum más incomprendido de los británicos Blur.

¿Y por qué es un incomprendido? Muy sencillo: en el 2003, año de publicación de Think Tank, el segundo músico con más influencia del grupo, Graham Coxon decide continuar su carrera en solitario. En ese preciso momento deja a Alex James (bajo) y a Dave Rowntree (batería) a merced de las exigencias de Damond Albarn que configura el disco a su antojo como si de un proyecto personal se tratara. ¿Consecuencia? Se produce un cambio de sonido bastante acusado que causa el estupor de los seguidores del magnífico grupo. Lo siguiente es la incompresión como habrán intuido.

La mejor manera de escuchar este disco es desde la ignorancia. Si a un gran fan de la época britpop de Blur le pincharan este disco sin decirle el compositor quizás se viera opulosamente recompensado, sin embargo era un disco de Blur, y no entra entre ceja y ceja que pudieran fabricar un sonido asi… En cambio a mi, que es al primer disco de Blur al que presto verdadera atención (nunca me atrajo demasiado Song 2), me encanta.

Paisajes electro-pop inundan los tímpanos con sus sutiles tintes industriales y la voz del incombustible Damon Albarn (claro vencedor en su lucha contra Oasis, pasados los años) desengranando “banales” letras que dejan el verdadero protagonismo a la música. Cada corte es un mundo: Ambulance, canción que abre el viaje se abre con un sonido de baterías para dar paso a un tranquilizador sonido casi místico acompañado de una tranquilizadora letra, un temazo. En cuanto a Out of Time ¿Qué puedo decir? Un primer single bastante atípico, una especie de balada en la que Damon Albarn juega con su voz configurando la que, a mi parecer, es la mejor canción del álbum. Crazy Beat es una especie de rock aderezado con música electrónica que parece querer repetir el éxito de Song 2, aunque yo prefiero esta, pues por la anterior siento cierta aversión. Y asi se

desarrolla el disco entre paisajes electrónicos paradisiacos y pesadillas entre discotequeras e industriales. En fin un disco muy variado musicalmente, pero sin salirse de la electrónica que en alguna ocasión recuerda a un Radiohead un poco más juguetón.

Ciertos momentos un poco decadentes (Gene by Gene) se alternan con canciones geniales (Moroccan Peoples Revlutionary Bowls Club) y momentos para el recogimiento emocional (Sweet Song) configurando el disco más menospreciado del grupo. Quizá a nivel lírico y compositivo no sea el mejor, pero sí un disco a reivindicar con una preciosa portada (muy acertada).

LTP.

Oliver Gallego,más conocido como Mucho Muchacho, nació en Barcelona.Comenzó junto a Mc Make en el grupo “Eat Meat” en 1992, con el cual editó su primera maqueta “Un audiodocumental de…Eat Meat” ganadora en el concurso de Rock de Lux.

Fue el componente más importante de 7 Notas 7 Colores(1995),grupo integrado en sus origenes por Dive,Eloy,Dj Neas y el propio Mucho Muchacho.Más tarde se reduce a dúo(Mucho Muchacho y Dive Divoso) y edita “Hecho,es Simple“,primer Lp del grupo.En el 2000 obtuvieron la nominación a los Premios Grammy Latinos gracias a su segundo trabajo “77“,contando con la colaboración de Eddy La Sombra.La última publicación de 7 Notas 7 Colores fue “La Mami Internacional“.

Muchacho decide desvincularse de este grupo y comenzar su carrera en solitario.En 2003 funda su propio sello musical “Cream” siglas que significan “Cash Rules Everything Around Me” extraido de la canción con el mismo nombre del primer disco de Wu Tang Clan.

Chulería es el título de su primer Lp bajo este sello.

Tras los maxi´s single “Será mejor feat Tony Touch” y “Amor y Plata“,los cuales recomiendo personalmente escuchar,sale a la luz Chulería,impregnado del estilo propio de este Mc,con unas bases impresionantes producidas por Zemo(estilo old school de Garndmaster Flash) con Griffi y Dj Vadim en los platos además de unas muy buenas colaboraciones como las de Juan Pro, Juan Solo y Tony Touch entre otras.

 Mucho Muchacho tiene un estilo muy persona y eso hace que reciba alguna que otra crítica de aquellos a los que les gusta el Rap sencillo de escuchar y tal vez menos explícito en temas como las drogas o el sexo.

En mi opinión,antes 7 Notas 7 Colores y,más tarde,Mucho Muchacho con su Lp Chulería, se han alzado al Top Five de los mejores grupos españoles de Hip-Hop de la última década y como muestra, el clip del tema ”Será Mejor” con Mucho y Tony Touch…eso es Chulería!

Alex

En este foro (casi) todos amamos enfervorecidamente a Bogart (especialmente, aunque entre muchos otros), y sinceramente no tenemos un verdadero ojo objetivo sobre lo que es una buena y una mala peli suya, si está él ya es buena para nosotros.

Aunque lo parezca no estoy queriendo insinuar que El Sueño Eterno sea una mala película. ¡Al Contrario! En esta ocasión Howard Hawks, que normalmente hacía comedias llamemos “ligeras”, se embarca en un proyecto conceptualmente más ambicioso: adaptar una novela de Raymond Chandler. Y la verdad es que consigue una obra de una textura inmejorable. Pero no solo de director vive esta obra maestra del género, también están ahí expertos en la fotografía como Sid Hickox (curtido en casi 150 películas) o en la música como Max Steiner (compositor en más de 500 películas, la más reciante King Kong), y delante de la cámara la pareja más glamourosa ¿de la historia?: Humphrey Bogart y Lauren Bacall.

Todos juntos realizan una de las cumbres del cine negro. Es curioso, sin embargo, que esta cumbre no sea reconocida como tal por su guión (que sería lo normal), sino por su atmósfera. Todo lo que rodea el mundo de Philip Marlowe es oscuro, tenebroso y confuso, sin embargo nuestro personaje no es uno de esos atormentados, no tiene problemas; a cambio ofrece un humor fino y cortante. Y que podemos decir de Lauren Bacall, esplendida como contrapunto de Bogart. Impresionante es su escena cantando con su voz ronca rodeada de hombres, un clásico que me atrevería a encumbrar más allá incluso del “guantazo” de Rita Hayworth en Gilda.

En cuanto a Hawks, quizás debería haberse dedicado por completo al cine negro (tan mal visto en la época). Atmósferas siniestras, imágenes contundentes, violencia. Todo aquello bueno que se pueda decir de un exponente del cine negro esta peli lo contiene; excepto una cosa. Bueno, hasta luego.

No hombre, que era broma. Lo que me ha parecido insatisfactorio es el final. Se nos conduce por senderos tenebrosos con demasiadas preguntas, y todos esperamos un final culminante y explicatorio, pero solo en ese momento es cuando te das cuenta que deberías haberle prestado más atención a una trama excesivamente enmarañada producto de la adaptación del libro, donde seguro estaba más claro. Lo verdaderamente maravilloso del guión son sus diálogos. Sobre todo los ya citados comentarios de Humphrey Bogart. Ejemplo de ellos, este:

- Lauren Bacall: No me gustan sus modales

- Humphrey Bogart: A mí no me enloquecen los suyos y no he pedido esta entrevista, no me importa que no le gusten mis modales ni siquiera me gustan a mí, me hacen llorar en las noches de invierno, y me importa tanto que se meta conmigo como que se tome la sopa con tenedor.

En fin, El Sueño Eterno es un clásico justificado en sus atmósferas y sus tempos (el ritmo, quiero decir) pues en realidad su guión me ha parecido insatisfactorio (aunque eso sí, solo al final).

Puntuación:  **** 1/2

LTP.

Mmm…. Mira Haze!, has tenido suerte, te incluimos en la sección de Hip-Hop a pesar de eso que tu haces. Haze, ¿Sabeis de donde viene ese sobrenombre?, os lo cuento:

Haze, el auténtico, nació en 1961 en Manhattan. Era grafitero y sus primeras firmas como tal fueron ‘SE3‘ en el ‘72 y HAZE a partir de 1973. Era miembro de dos Graffiti Crews: “The Soul Artists” y “The Rebels“. Si quereis saber más sobre él, visitad esta página.

Como vemos Haze, el de los Pajaritos (barrio de Sevilla), no fue muy original a la hora de elegir su nombre artístico.

Sergio López, así se llama este chico, su misión es dar consejos a los que escuchan sus canciones.

Se cree muy marginal, y lo demuestra en cada tema. Pero que no os engañen su fin, es la fama y vender el mayor número de copias posibles. Para ello, fusiona diferentes estilos como el flamenco y el reggaeton olvidándose del Rap.

Sus letras podrían ser escritas por cualquiera con un boligrafo en la mano;

“[...]ese Haze, que ase, ya ve no es el desfase, yo te juro por mis niños que nunca probé la base, probé un cashito tranki, estoy hesho un kani“.

¿Aún quieres saber más de él después de esto?, como quieras.

Su primer trabajo, “Crónicas del barrio“, contenía “El Bola“, tema que se hizo muy popular, por lo demás, dicho Lp no se diferenciaba en calidad, de cualquier otro grabado por un principiante sin demasiado talento.

“El precio de la fama” no es más que la confirmación de que Haze, no solo es comercial sino que además intenta vendernos el aspecto de chico comprometido socialmente y por eso, no por el tirón comercial (irónico) utiliza la colaboración de actores como Juan José Ballesta y Jesús Carroza en este, su último Lp.

Si de verdad os importa el Hip-Hop, no lo contamineis con este tipo de fusiones con finalidad comercial.

 También,Haze está a favor de los Canis,sí,esos que cuando menos te lo esperas te roban y viven del cuento

Alex.

Hildy Johnson es un afamado periodista de Chicago, durante los duros y competitivos años treinta. Johnson, perteneciente a esa antigua estirpe de reporteros, de viejas putas del oficio editorial que hacian un periodismo que desde luego ya no se estila, está harto. Noches sin dormir, total ausencia de vacaciones, carecia de fines de semana y un trabajo que le exige una total, profunda y completa dedicación le impiden realizar la vida normal que tanto ansia. Duerme 20 dias de cada mes en su oficina y le es imposible escapar a la espiral absorbente que es su carrera como periodista. Pero Hildy encuentra una salida: se casa. Deja el periódico, las noches en vela, las carreras aceleradas, la feroz competencia y sobre todo a su odiado jefe Walter Burns. Todo ello justo en vísperas de la controvertida ejecución del asesino de un policia a pocos dias de las elecciones.

¿Les suena el argumento? Por supuesto que si, es todo un clásico de Howard Hawks. “Luna nueva” 1940 Protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell en el papel de Jefe y periodista respectivamente. Una de las mejores películas de este director, con unos diálogos endemoniadamente rápidos en los que apenas se da tiempo a alguien a decir algo para poner oponer una réplica mordaz, aguda y contundente.

No obstante, también es la historia, prácticamente palabra por palabra de “Primera Plana“, película de Billy Wilder dirigida en 1974 que no es más que un glorioso remake de la primera, si bien substituyendo a Cary Grant por Walter Mattau y a Rossalind Russel por Jack Lemmon incluyendo la presencia de Susan Sarandon en el papel de la pareja masculina de Russel.

No se dejen impresionar queridos amigos mios, en plena fiebre actual de remakes (Cuyo último ejemplo es Poseidón) esto tiene tanto que ver con los nuevos infectos rodajes hechos en serie de antiguas historias al que asistimos como con una película de los Lumiére.

Porque aparte a los 7 Magníficos este es sin duda uno de los mejores remakes que he podido presenciar en una pantalla. Es quizás una de las pocas películas sobre las que se podría sentar cátedra en lo referente a como volver a hacer una nueva cinta usando historias ya filmadas, pues cumple todas todas las normas no escritas de una buena reedición, sobre todo tratándose de la nueva versión de un clásico.

Por ejemplo en la cinta a priori incluye novedades en la trama y modifica la historia pero es tremendamente respetuoso con el guión original guardando los carácteres de los personajes en formol aunque recreando antiguas situaciones de manera fresca, original y novedosa, cuenta las mismas cosas, rueda las mismas escenas, incluye los mismos gags pero dándoles efectos contrarios o incluso radicalmente distintos. Me estoy refiriendo a esa recurrente sala de prensa de la prisión, al escritorio del redactor afeminado asi como a lo conseguido añadiendo humor al patético dramatismo que el fugitivo Earl Williams poseia en la versión de 1940. También haciendo de la buena señora que se apiadaba de Williams de una dama de la caridad a una prostituta, o substituyendo el final sin alterar el happy end neutro pero dejando el punto de humor inevitable en Wilder.

En esta cinta tanto Walter Mathau como Lemon demostraron una tremenda química existente entre ellos, lo cual facilitó el rodaje unos pocos años después de “Buddy Buddy” en 1981 repitiendo el esquema de comedia alocada con esta pareja protagonista. Perteneciente también a la película humorística de tipo frenético, recerda a Con faldas y a lo loco o  Un, dos, tres, siendo una de las últimas comedias que rodase el gran director.

Bien, en esta versión del clásico se mantienen los diálogos enzarzados y brillantes y exactamente los mismos personajes, los cuales parecen una exacta réplica de los anteriores, ayudando muchísimo a mantener el mismo halo de veracidad con respecto a su original. Wilder aporta su personalisimo estilo a muchos de los personajes anteriormente citados sin perder el asombroso parecido con sus predecesores en la versión blanco y negro.

Todo, cada matiz, diferencia o novedad está enmarcado en el estrechísimo margen que convierten un remake en una perdida de respeto por el original. Solo un gran director puede dejar su huella personal, su olor característico a una cinta haciendo una nueva versión sin ningún tipo miedo o complejo y obteniendo un resultado más que aceptable, pues siguiendo los principios del propio Wilder la cinta no solo no aburre, sino que entretiene perfectamente sumergiendo al espectador de lleno en la historia y manteniéndolo atado a la pantalla. Sin duda una muestra más del talento de un gran director y de un Mattau y Lemmon con una maravillosa capacidad para la comedia. Buen y gran cine de humor.

Esto me recuerda que deberia escribir una pequeña entrada sobre remakes y sus tipos , clases… Solo de pensarlo me remuevo inquieto en el asiento.

ARL

Tapestry es un LP de emociones a flor de piel y es que Carole King imprime con su personal voz sentimientos de muy distintos matices.

El piano es uno de los instrumentos más maravillosos que existen, con él se pueden expresar una gran cantidad de sentimientos, desde la melancolía hasta la euforia. Tapestry se abre con el sonido de uno, de esos eufóricos; poco más tarde entra la voz de una Carole King muy animada que suelta un mensaje de lo más positivo (el título: I Feel The Earth Move) que es capaz de animarte el día. A poco que sepas inglés lo pillas, tranquilo. Por si acaso aquí dejo un enlace al tema.

Continuando a través de los tres cuartos de hora del disco pronto nos damos cuenta de que se trata de una montaña rusa de sentimientos, sube y baja el estado de ánimo del melómano conforme van pasando las canciones, y en la segunda del disco: So Far Away se produce un considerable bajón, su pop prístino se pone al servicio de una melodía melancólica en la que se extraña a alguien. Una simple aclaración, quizás por lo que cuento el LP puede parecer un poco blandito; nada más lejos de la realidad, la voz de Carole King es de una personalidad apabullante y aporta un toque sentimental en ningún caso almibarado.

Hay ocasiones incluso en las que se cambia de registro en la misma canción; en It´s Too Late nuestra compositora nos ofrece una canción que encierra cierta tristeza no solo en la letra, sino también en el (ya citado) maravilloso registro vocal. Una canción que ofrece a fortalecerse en momentos débiles sentimentalmente hablando.

Y asi continúa el disco. Unos instrumentos no demasiado complejos (piano, guitarra acústica…) acompañan a las verdaderas protagonistas del disco: una voz y unas letras IMPRESIONANTES. Y aún más sorprendente es que estas letras se compusieran por “encargo”. Anteriormente nuestra compositora se consideraba solo intérprete de las canciones de otros, sin embargo en este LP se arrancó a componer por recomendación y sorprendió a todos con unas letras llenas de vida.

Es sorprendente como un disco que se hizo en 1971, poco después de finalizar la época hippie suene tan actual en estos días. Muchos discos de esos años están hoy como meras anécdotas del verano del amor y demás (caso de los LP de Jefferson Airplane), pues suenan completamente desfasados, pero Tapestry podría haberse hecho ayer… Corrijo, hace tiempo que no suena algo tan delicado como Tapicería (traducción literal), alberga todas las mejores virtudes de esos años y evita los sonidos que con el tiempo han pasado a estar desfasados.

Una de las pequeñas perlas que se quedan oculta con el paso de los años y que de vez en cuando no viene mal recordar.

Sinceramente esperaba con ansia la nueva película de Shyamalan. Por fin la he visto. Han pasado poco menos de tres horas desde que salí de la sala del cine y ya se me antoja lejana.

No sé que le ha pasado al otrora apasionado director que imprimía una magia muy personal a algunos guiones un poco genéricos (El Bosque, Señales). En esta ocasión el director indio aborda un guión (propio) que hace aguas por todos lados, y ni siquiera es capaz de imprimir esa magia. La trama es insulsa, monótona, no avanza y encima (ENCIMA) no tiene esa sorpresa final a la que nos tenía (bien) acostumbrados el director. Todos estos problemas del guión se acusan en exceso gracias a la falta de inspiración que el director sufre, no es capaz de integrarnos en una historia en la que se introduce la fantasía en la realidad y él lo sabe, por eso inserta tantos planos de los actores mirando fijamente la cámara. Y si a eso (que ya es bastante) añadimos una trama que se estanca y empieza a oler a podrido, entonces desembocamos en un mar de indiferencia al final de la proyección, lo que lleva directamente al rápido olvido.

En cuanto a los actores… me pueden matar pero he de decir que Paul Giamatti repite papel, está muy visto, lo siento. O renueva o se convertirá en un Robert de Niro cualquiera (sin serlo) antes de tiempo. La otra protagonista es Bryce Dallas Howard, en un papelillo más bien soso que no da lugar al lucimiento (para verla en plena forma es de obligada visión la ¿extraña? Manderlay). Y por último he de hablar de algo que me ha resultado curioso, la verdad es que no me esperaba a Shyamalan haciendo un papel, eso sí no deja de ser soso e inexpresivo.

Por último (antes se me ha pasado), me ha parecido que el director ha forzado mucho la dirección, y el resultado ha sido poco creíble. Hablo de planos poco naturales para ocultar un cuerpo desnudo, miradas directas a cámara para ntroducirnos en la trama (sin éxito) y demás cosas de este tipo. A mi parecer con La Joven del Agua, M.Night ha acusado sus vicios y ha disminuido sus virtudes, como director me refiero.

Y como una especia de posdata instaría al director a que montara unos trailers más cercanos al contenido real del film, pues la gente sale desorientada al ver una peli fantástica en vez de una de terror, como esperaban.

En fin, que La Joven del Agua me ha defraudado bastante, me esperaba algo medianamente digno como El Bosque y me he encontrado algo bastante indiferente y falto de inspiración. Aun así no retiro mi voto de confianza al director indio, ire al cine a ver su próxima película.

Puntuación: **

LTP.

Five Graves to Cairo a pesar de lo que pueda paracer por lo que escribiré inmediatamente, no es una más de esas películas propagandísticas que aparecieron durante la segunda guerra mundial. Si bien es cierto que cumple los requisitos típicos del género (Bando alemán inhumano y con connotaciones siempre negativas, personajes indiferente que evolucionan hasta decantarse por el bando correcto…) y que tan tópico hacen el film como de género bélico o de espionaje. Aunque ni muchisimo menos podemos olvidar que a pesar de no admitir comparación, la misma Casablanca o la anteriormente comentada Tener y No tener son también del mismo registro en su cualidad de película en tiempo de guerra.

Lo que encontramos en Cinco tumbas hacia el Cairo que la haga una cinta superior a la media y destacada en la filmografia bélica es su impecable factura técnica, un guión suficientemente bueno y la mano de Billy Wilder. La histora se resume en un Franchot Tone que encarna al Cabo inglés Jhon J. Bramble, el cual tras un mal encuentro con las tropas de Rommel en el desierto consigue sobrevivir y vagabundea por las gigantescas dunas egipcias hasta encontrar un hotel, el cual pronto será ocupado por las tropas alemanas para instalar el cuartel general del Mariscal Erwin Rommel (Papel que desarrolla Erich von Stroheim. Así Bramble deberá hacerse pasar por el camarero del hotel, muerto en un bombardeo.

Como he dicho la película cumple los cánones de película subjetiva, siendo el bando alemán completamente despreciable, mounstruoso y terrible en todos sus actos con un von Stroheim ogro tripón y vanidoso. Las incongruencas históricas y el simple y llano invento se perdonan sin dilación bien por el año de la película o por lo coherente del resultado. La camarera del hotel (Anne Baxter) es la encargada de llevar el papel de neutral o indiferente que evoluciona hasta elegir el lado correcto, papel que no debe faltar en todas las películas de la guerra contemporáneas a la misma y que en los títulos anteriormente citados encarna Bogart.

El guión, obra de Charles Brackett (Ninotchka, Dias sin huella, The mayor and the minor, Bola de fuego, Niágara…) denota muchísimo la mano de Wilder interviniendo en el mismo. Personajes reconocibles, actitudes conocidas y ese toque, si no humorístico si simpático que imprime Billy Wilder a la mayoria sus personajes. Escenas con el dueño del hotel o un general Italiano demuestran que es una película de este grandísimo genio.

Sin duda una pequeña joyita sobre la segunda guerra mundial algo olvidada y una de las cintas de Wilder menos reconocidas.

Antes que nada, me complace anunciarme como nuevo miembro de “El Trastero”. Mi sobrenombre es torrez, y me encargaré de la nueva categoría Manganime. En ella hablaré sobre algunas series de animación japonesas, tanto en formato cómic (manga), como en formato cartoon (anime). Podéis considerarla “friki“, y de hecho si no estás en la cultura otaku os lo parecerá. Os animo a que abráis la mente y echéis un vistazo a la sección.

La serie de la que hablaré tiene un nombre un tanto complejo, “Mahou Shoujo Lyrical Nanoha” y su continuación, con el sufijo “A’s“.

Bien, la serie en sí es una monada, tremendamente cute. Eso sí, tiene algún que otro toque para pedófilos (bueno, es lo que tiene el ecchi aplicado a colegialas) en un esfuerzo por hacer una serie típica de Magical Girls adaptada para el género masculino. Dejando de lado su parte polémica la serie es correcta, incluso el amor lésbico (yuri) que se respira durante toda la segunda temporada, no resulta demasiado extraño o llamativo.

Los personajes sorprenden adquiriendo un gran carácter a lo largo de la serie. Fate Testarrossa, enemiga y amiga de nuestra protagonista, os encantará desde el principio, y agradeceréis mucho su mayor protagonismo en la temporada A’s. No se puede decir lo mismo de la protagonista, Nanoha Takamachi, cuyo carácter roza la estupidez. En cuanto a las armas mágicas de ambas, Bardiche y Ranging Heart, terminan enamorando al espectador: es increíble el efecto que produce el que hablen en inglés… en una serie en la cual todos hablan japonés.

En lo que al argumento se refiere, tenemos que separar las temporadas.
En la original, el argumento es el clásico bueno contra malo, bastante pobre aunque prescindible, a decir verdad. En la segunda temporada, el argumento evoluciona mucho, incluso veremos giros inesperados (muy raros en este tipo de manga). En general este anime va cuesta arriba.

El apartado técnico es muy irregular: vemos escenas que superan en calidad gráfica a peliculas como El viaje de Chihiro, y otras escenas dignas de una serie hecha mal y con prisas. En cuanto al sonoro es excelente, y no puedo más que recomendarlo.

Sin mucho más que añadir, mi valoración:

Apartado artístico - 7
Apartado sonoro - 8
Personajes - 5
Argumento - 6

Total - 6,5

Apertura de la primera temporada

Escrito por torrez.

Howard Hawks, uno de los grandes directores de cine de los 30 y 40 siempre se caracterizó por rodar historias breves y concretas, con una estructura determinada y su marca personal: diálogos de calidad y lucidez envidiable sucediéndose a una velocidad endiablada.

Tener o no tener, basada en la novela homónima de Hemingway es un clasicazo más añadido a la saturadisima lista de grandes películas que posee nuestro amigo americano.
Sin embargo, para mostrar el porque de la cinta solo hay que mencionar un par de nombres:
Humphrey Bogart y Lauren Bacall . La pareja, que ya realizó un par de años después otra película con Howard Hawks (El sueño eterno) la cual terminó de confirmar la buena relación y química que marido y mujer tenian en escena, comiéndose realmente la pantalla.

Harry “Steve” Morgan es un duro pescador americano que pasea turistas por la Martinica caribeña, controlada durante la guerra por el gobierno de Vichy. Como siempre, se mantiene neutral y al margen cuanto puede sin tener problemas con las autoridades de la isla.
Sin embargo tras un desagradle incidente, Steve decide aceptar un encargo para recoger en la costa a dos pasajeros por encargo de la resistencia local afín a De Gaulle.

Con un guión de calidad en una historia definida y concreta, que sabe como desarrollarse y cuando terminar, a la hora y media, justo en un punto en el que cualquier película actual hubiese dado un nuevo giro al folletín alargando el resultado durante treinta minutos más cansando irremediablemente al espectador que solo busca entretenimiento. Muy a menudo me preguntoq ue extraña razón hace a los directores alargar películas innecesariamente durante decenas de minutos pasando la historia de rosca. Supongo que el público se sentirá engañado si la película no le da menos de dos horas de diversión, pero somnolientas pérdidas de tiempo como las que poseia Piratas del Caribe 2 para llegar a las dos horas y media me hacen añorar viejos tiempos de la RKO.

Pero además de su ritmo y certera duración lo mejor de esta cinta no es su eterno aire clásico y evocador que comparte algunos puntos con Casablanca, sino las actuaciones, buenas para todos los secundarios como Walter Brennan o Dolores Moran, que hacen buena toda la historia y la mantienen sólida y consistente. Por no hablar de las excelentes actuaciones para la pareja principal y es que… es Bogart!

ARL