Honey

La eterna historia de superación personal cargada de buenas intenciones, esfuerzo, ideales honrados y sueños cumplidos con Jessica Alba de protagonista, raperos del Bronx y mucho baile supercoreografiado. Alba no es Meryl Streep, sin embargo no está en la cinta para arrostrar un personaje complejo en una interpretación de alto nivel, sino simplemente a una chica de barrio, potenciando las grandes cualidades de esta actriz: Ser guapa y moverse bien.

Honey (Jessica Alba) es una esforzada joven que trabaja en bares nocturnos y tiendas de discos, sin conseguir el triunfo, tampoco demasiado ansiado por ella, aún a pesar del gran talento que posee como bailarina, limitandose a mostrar sus dotes en discotecas en noches de sábado por pura diversión. Un dia, un afamado director de videoclips de rap se fija en ella, rogándole nada más y nada menos que acepte contratarla para rodar una larga serie de videos y vualá! la cinta transcurre mostrando el ascenso a las alturas de Honey mientras que trata desesperadamente de no olvidarse de sus orígenes, manteniéndose en el barrio, ocupada y preocupadísima entregando gran parte de su tiempo a cuidar de unos pobres chicos mediante sus clases de baile, preservándolos de su entrada en bandas mafiosas y de este modo acaben hechos unos gangstas.

En este sentido la película adolece de la consabida moralina que indisimuladamente se nos inocula, tipo “se bueno, cree en tus sueños, lucha por ellos y no vendas drogas ni mantengas sexo anal sin protección”. Son incontables las escenas relativamente tiernas de Honey con sus chiquillos, que si, son muy monos y tienen mucho estilo, pero, como su propio nombre indica (Honey), la película puede empalagar, debido a la gran cantidad de caras ñoñas o personajes per-fec-ta-men-te predecibles en su trayectoria sentimental. Tenemos nada más comenzar la película al futuro noviete, al próximo “chico malo reconvertido”, la siguente estrella… todo se huele a kilómetros de metraje (alguien más * #%·#!!&^ que yo diria que apesta ) tópico tras tópico, eterna repetición tras elipsis gigantesca, en este tipo de películas todo transcurre con una previsión tal a los cánones de cine de superación que lo acerté todo tras diez minutos… ya estoy por montar una consulta telefónica para ejercer mis dotes pronosticadoras y dejar de reventar argumentos a mi novia cuando veo películas con ella.

Bueno, pero vamos a ver, yo no soy masoquista, no me dedico a ver películas malas por amor al arte (como hace mi colega Lucas, alias LTP, muzikaila alias siaikeyes, que esta tarde estuvo lidiando con Melissa P. Ten cuidado lucas, contente, la autoflagelación es el siguiente paso), si he visto esta cinta ha sido por algo que (aparte de Jessica Alba) me ha atraido aunque sea un poquito. Primero, es distraida. Algo que no todas las cinta consiguen, la protagonista femenina ayuda mucho a mantener la atención en la pantalla, pero la estética de la pelícua también está muy conseguida. Aviso, con muy conseguida me refiero a rollete videoclip. Son incontables los bailes realmente currados que salen durante la hora y media que dura, con cortos rodados dentro de la propia cinta. El director, es Bille Woodruff y, evidentemente proviene del mundo de los videos musicales rodando para artistas de la talla de Briney Spears (¿el número de la talla a la que me refiero? La humanidad lo ignora). Toooda la cinta posee videoclipitis. No soy un entendido, sino un cinefilillo de a pie que aún no distingue entre el “travelling” y mover el enfoque en carrito, pero hasta yo pude notar como los movimientos de cámara son bruscos, grandilocuentes, nerviosos y la mayoria innecesarios. Eso si, quedan muy chulos, a la última moda, pero revelan que el director está demasiado acostumbrado a rodar titis meneando el trasero y no maneja mucho el plano/contraplano o los planos secuencia en su trabajo diario que digamos.

Como iba diciendo, sigamos buscando alicientes para ver está película… estabamos por Jessica Alba (1) , visualidad videoclip (2) (al que le guste), imágenes de Dj’s dándole a la Turntable (3), una historia que entra cual malibú con piña (4) (suave, ligero, bajo de alcohol y empalagosamente dulce) y… ah si! hablamos del Bronx, no falta el rollo Rapero.

A quienes les encante la estética hip-hop y, aunque sea toyaco o precisamente por ello quiera echar un ojo a la visión idealizada de como visten, viven y sienten (snif, lagrimita) los raperos Americanos (costa Este al menos) que se visione esta cinta. Todos los rappers que aparecen en la cinta están tan bien vestidos, y son tan monos… que me dan ganas de quedármelos, droga incluida, o de vestirme yo igual si tuviese buen gusto y dinero.
Con lo de “Rollo Rapero” no solo me refiero a camisetas largas, ropa ancha, gorras descentradas por doquier, movimientos de hombros funkeros y demás. También queda implícita en esta película la marcada idiosincrasia localista que posee este movimiento. Exaltación de un microcosmos cercano, ensalce del barrio… y un sentimiento de pertenencia muy fuerte a un lugar pequeño y apretado como son unas manzanas, o psicológicamente hablando, a una serie de gente determinada. Esto se respira en cada escena de la película… si tuviese que citar solo una frase para enunciar lo anteriormente dicho, quizás elegiria una contestación de Honey dirigida a su madre, la cual pretende que estudie Ballet y viaje a Europa:

Honey: “Seré una paleta por no haber estado en París o en Milán o donde sea. Pero para mi, esto es lo mejor que hay”.

Automáticamente murmuré algo referente a que no se es un paleto por no haber estado en París, Milan o paseado por Florencia. Se es un paleto por no desear hacer estas cosas.

Nunca pongo nota a las cintas, pero el meneo de Jessica Alba eleva la calificación de esta cinta al cuatro. Lujurioso que es uno.
¡Maldito sátiro!

ARL

Secuestro Infernal (The way of the gun)

En una amena conversación entre colegas sobre Miami Vice, refiriéndose a los tiroteos, salió a la luz la película “The way of the gun” con dirección de Christopher McQuarrie , autor de aquel peliculón que sirvió para lucir a ese ‘pedasho’ de actor que es Kevin Spacey, osease “The Usual Suspects“. Uno, al ver, no solo semejante antecedente (porque este director aún solo tiene un par de películas) sino que la cinta está protagonizada por Benicio del Toro (que ya participó en “Usual Suspects” y bueno, que me cae bien desde 21 Gramos) y entre otros, Juliette Lewis (Ya apareció aqui con motivo de “Natural Born Killers“) pues está claro que la película hay que verla.

De manera que comencé el visionado de Secuestro Infernal, esperanzado, receloso y cagándome en los muertos del traductor, que sí, que puso un título acorde al tema de la cinta, pero el original está muchísimo más chulo, es completo, contundente, y el que no tenga traducción automática no lo invalida en español.
Pero atendiendo al cine, que es lo nuestro, comienza la cinta, Longbaught (Benicio del Toro) y Parker (Ryan Philippe) son dos amigos sin dinero, oficio ni suerte que deciden pasarse al lado ilegal de la vida, arriesgarse. Por casualidad, se topan de morros con una rocambolesca historia que les sirve para dar su gran golpe: Una chica llamada Robin (Juliette Lewis) gesta el niño de unos millonarios que no pretenden molestarse en soportar el embarazo para tener un hijo. Sumen a esta pequeña ecuación de dos factores el título de la película y averiguarán el argumento.

Por supuesto, la historia se complica, joder, tiene que durar dos horas, de manera que se insuflan personajes a la misma. Aparece un veterano profesional del oficio, Joe Sarno (O James Caan, más conocido como Sonny Corleone), dos guardaespaldas conspiradores (Taye Diggs y Nicky Katt) y la acción se traslada de la ciudad donde comienza al desierto mexicano.

Bueno, diseccionemos que tenemos para rato. El film posee una dirección decente (Bien se nota la mano que mecia “Sospechosos Habituales” en la persecución por el centro de la ciudad entre callejones), una fotografia aceptable, con una puesta en escena sin pegas, pero un guión que se queda corto. ¿Como se queda corto un guión? Pues teniendo demasiadas subtramas desdibujadas a lo largo de la historia principal, todos los personajes, si bien conversan decentemente (los diálogos no son para retorcer el cuello a McQuarrie) son práctica y totalmente planos, puro estereotipo. Son incontables la cantidad de alicientes y de posibles dimensiones que podrian haber adquirido los personajes (El médico, Joe Sarno, el millonario, los guarda espaldas… y decenas más, no sigo porque develaria la trama) sin que el guión las cierre. No que cierre las subtramas, ¡sino si quiera las desarrolle un poquito! Para dar carisma y pasado a unos personajes no vale solo con mencionar un acontecimiento pretérito que el espectador no conoce, ni meter dos escenitas con calzador, hay que hacer más.

El guión de esta película podria definir un plano con tomar como referencia una recta y dos actores, sin embargo, ha sido muy curiosa la extraña sensación de dejá vu que me asaltó en la parte final del filme, en pleno desierto Mexicano… estuve repasando esas últimas escenas, y no puedo evitar percibir un enorme parecido (si no rendido homenaje) a Grupo Salvaje (Wild Bunch) tal vez la mejor película de ese maestro llamado Peckinpah. Una vez superadas estas escenas y tras los créditos, fuí estableciendo relaciones entre los personajes aparecidos en pantalla durante la película y el peculiar estilo de este viejo director. Ese marcado laconismo y aspereza en los personajes, de fatalismo indiferente… lo he visto yo en alguna parte, me decia.

No puede ser, me repetia, una cinta que no me ha gustado y que comparte tantas características con este director, es dificil hacerlo tan mal para imitar a Peckinpah y que no me guste… Hasta que he encontrado la solución al por que de mi distanciamiento con esta película y es nada menos la eterna influencia del “bueno/malo Tarantino“. Esto, que parece una gilipollez, no lo es tanto, y me estoy refiriendo a esa tendencia de convertir al protagonista de la historia, que posee unas cualidades de malvado que bien podrian hacerlo el antagonista, en unos tipos graciosos, con una violencia “elegante” y “amigable”. Evidentemente, como todo influenciador, Tarantino lo hace con más empaque, con personajes como el de Samuel L Jackson, o Bruce Willies en Pulp Fiction o a Uma Thurman en Kill Bill. Pero volvamos a la película. Si unimos esta intención de hacer divertidos asesinos con ese pretendido aire al cine color polvo marrón de Peckinpah… Nos sale este cascorro en el que los personajes pasan de ser ridículos a apagadamente heroicos, de situaciones violentas pero simpáticas, a hombres duros en momentos trascendentales.

Pero lo peor de todo, lo que más me repatea, es que esta película surgió en una conversación sobre como Mann rodaba sus tiroteos (Heat, Collateral, Miami Vice) y en esta cinta (Como en Wild Bunch por otra parte) los enfrentamientos armados son una orgia de disparos y de balas desperdiciadas, de agujeros en las paredes, lascas de yeso saltando y armas sin retroceso en una especie de fiesta mayor de fuegos artificiales con mucho, mucho ruido. Algo que en una película de acción no debe faltar, diríase más, pero que no puede compararse a esa sobria, realista y eficiente manera con que Mann rueda los intercambios de disparos.

ARL

Serpientes en el Avión (Snakes on a Plane)

Quien está un poquito informado sobre los medios de comunicación del siglo XXI sabe que ofrecer una buena campaña promocional a través de internet es un medio más que fiable para hacer famoso un producto incluso antes de que nadie haya visto unas pocas imágenes sobre él. Grupos como los archiconocidos Arctic Monkeys o Clap Your Hands Say Yeah lo supieron desde el primer instante, y miradlos, ahora son muy muy famosos.

El director y los productores de Serpientes en el Avión pillaron rápido el truco y lo llevaron a una nueva dimensión: la cinematográfica. Hay casos en los que los productores invierten más dinero en la campañas publicitarias que en el propio presupuesto del rodaje del film, en ese sentido New Line Cinema han tenido mucha vista y se han gastado poco.

Muy buena idea esto de invertir en internet dirán ustedes, y yo diré: sí señores, pero algo falla. A David R. Ellis (Cellular, Destino Fatal 2…) se le ha ido la propaganda de las manos. La calificación de película de culto incluso antes de que nadie hubiera visto el film se ha vuelto contra el director en el momento del estreno cuando el boca a boca ha hecho justo el efecto contrario al que se espera a priori: la gente ha ido de unos a otros diciendo que la peli es una mierda y que no merece la fama que le han dado y ha supuesto uno de los grandes batacazos comerciales de este año.

Y, señores y señoras este es uno de esos batacazos completamente merecidos, de esos que los verdaderos cinéfilos disfrutan en privado, con una maligna sonrisa en sus labios. Porque como ya habrán intuido ustedes, mis inteligentes lectores, Serpientes en el Avión no es más que un amasijo de serpientes de goma en un mar de aburrimiento y monotonía enmarcado en una historia (casi) ridícula, llena de tópicos trilladísimos y gilipolleces varias propias del cine de terror-acción norteamericano. Es una absoluta gilipollez, dirigida por un idiota e interpretada por un actor que obviamente escoge mal sus papeles… No diré nada de la sosa de Elsa Pataki porque apenas articula una sola frase en todo el film. Y ya está, me niego a seguir hablando de semejante bazofia. Que pase por las carteleras de España como bien pueda y que se vaya al cajón del olvido pasado mañana, porque en lo que a mí respecta cambiaré de canal cuando la anuncien por la tele.

Puntuación: *

LTP.

Repulsión (Repulsion)

Entrando a saco en la reseña y sin más preámbulos: Repulsión es una de las películas más terroríficas que he visto en años.

Roman Polanski se sirve de una fría Catherine Deneuve para presentarnos en una bandeja 1 hora y 40 minutos de locura en estado puro. Como en un imán, en Repulsión se nos presentan las dos caras, a ratos atrae y no deja apartar los ojos de la pantalla mientras que en otros momentos repele tanto que te dan ganas de cortar, pero te sientes hipnotizado por la misma locura que domina a la protagonista de nuestro film.

Carol es una mujer que tiene sentimientos encontrados hacia los hombres, por un lado los desea pero por otro le repelen. Este sentimiento de atracción repulsión (que es el que utiliza Polanski con el espectador) va conduciendo a la belleza protagonista hacia un pozo de locura lleno de alucinadas, violaciones, asesinatos Buñuelianos, surrealismo made in Dalí y locuras varias que nunca nos atreveríamos a soñar.

Todo esto en un escenario claustrofóbico y lleno de sombras que anticipaba lo que sería una de las cumbres de Polanski: La Semilla del Diablo.Pero no se equivoquen, las similitudes entre estas dos películas se limitan al escenario escogido, porque mientras que La Semilla del Diablo es una película redonda y sobrenatural Repulsión es un film real como la vida misma (lo que la hace aún más terrorífica), esquizofrénico como pocos y algo desigual. En cualquier caso, las dos películas son grandes obras magníficamente dirigidas por el desigual Roman Polanski e interpretadas por Mia Farrow en un caso y por Catherine Deneuve, que aporta a su personaje un halo de locura creciente que se ajusta singularmente al personaje, por otro.

Puntuación: ****
LTP.

Septiembre

Woody Allen concentrado. Nunca habia oido hablar antes de Septiembre, hasta que husmeando por su ficha de Director en IMDB me paré en el sugerente título de esta cinta, de 1987.

Septiembre es un drama contundente, una de esas complejas y arraigadas historias que Allen se pirra por hacer usando sus personajes más marcados (el neurótico, el inseguro, el escritor ligón, la personalidad arrolladora…). En este caso una serie de personas pasan un par de dias de fin de semana a finales de agosto en una retirada y encantadora casa de campo. La familia y algunos amigos avistan ya la llegada de un septiembre rutinario, de vuelta, seriedad y monotonia. Los problemas entre ellos van apareciendo poco a poco, sutilmente se va erosionando la fina capa de los personajes hasta que podemos ver traumas, sentimientos y recuerdos enclaustrados en el carácter de cada uno.

El filme tiene tres partes más o menos diferenciadas a priori. Es el primer dia, en el que están todos los personajes en la casa, de manera inocua, neutral, sirviendo al director a modo de presentación. Pocos personajes, la mayoria cultos y neuróticos, a saber, la protagonista y residente en la casa Lane (Mia Farrow) , su madre Diane (Elaine Strich), su amiga Stephanie (Diane Wiest) y el atractivo escritor Howard (Delholm Elliott). Los personajes son algunos de los que a tanto gusta Allen describir y usar y que se puede ver repetir a lo largo de su filmografia, sus tópicos personales o personajes predefinidos.

La situación cambia, una vez conocemos a los personajes, cuando se deciden a pasar una velada, que comienza escuchando buen jazz y bailando foxtrot en la casa con un adorable aire años veinte. Vino, conversación, algunas risas una noche de dura tormenta agradable. Hasta que la electricidad se corta, la casa queda a oscuras y el vinilo cesa su giro. En ese momento el ambiente se enrarece, las velas realizan su cometido de envolver la noche en un halo romántico el wiskhy desata lenguas, alienta decisiones y uno de los personajes tocando el piano se encarga de hacer que la música siga realzando dramáticamente el breve rumor de las conversaciones.

Durante esta segunda mitad central es donde, animados por el alcohol y el ambiente se van sucediendo una tras otras pequeñas revelaciones ya intuidas gracias al buen hacer de los actores (Maravillosa Mia Farrow en su papel traumático y desesperado). Uno a uno los personajes hablan sobre los otros, cambiando de parejas casualmente, mostrando sin demasiados tapujos su opinión sobre los demás, trazándonos un cuadro bastante claro de por donde van los hilos del pequeño argumento hasta que vuelve la luz.

Una vez por la mañana es donde el golpea el drama que ha estado fraguándose durante toda la noche. Las situaciones, los pequeños hilos, las historias desenlazan, se anudan para terminar chocando en una discusión, en momentos donde la tensión se rompe para convertirse en instantes violentos. La mañana, la luz y el domingo llegan junto al final del verano, al comienzo de septiembre, con toda la desesperación y melancolia que ello acarrea. Tras lo retorcido de la pena, la tensión y la tormenta, el espectador respira en la mañana cinematográfica, el aire limpio de la catarsis. Tras la lluvia.

Como he dicho anteriormente, el guión, con la clásica y bien conocida mano de Allen (que siempre diré que es más escritor que cineasta en si, sus cintas son siempre muy literarias) tiene la habilidad de sumergirnos sutilmente en la vida de los personajes, como quien desempolva una inscripción o desentierra un trozo de piedra, la magnitud de los problemas que sufren nos es mostrada paulatinamente, con buen gusto y sin tomar el pelo al espectador tomándolo por un idiota. No enuncia las situaciones como un guión de película barata, aunque ahi quizás también esté su mayor fallo, siendo una cinta prácticamente exclusiva para los admiradores del director y que estén habituados a su cine. Cuando comencé con las lineas “Woody Allen en estado puro” me referia a eso, a que quizás sea demasiado (y atención al “palabro”) “Alleniana” para un espectador usual que busque algo sencillo, no preste atención o simplemente piense adquirir un entretenimiento de fácil consumo que pueda digerir sin reflexionar, los seguidores de Rambo no obtendrán más que una historia de putos coquitos vestidos con chaquetas marrones y gafas horribles. Por esa hipotética pesadez, la cinta se queda en menos de lo que podria parecer tras lo que he dicho.

Muy recomendada para admiradores de Allen, para los demás, recomiendo que vean antes otros film del mismo director como pueden ser Delitos y Faltas , Manhattan, o Desmontando a Harry.

ARL

Separados (The Break-Up)

Sí, señores. Se trata de la nueva comedia romántica protagonizada por Vince Vaughn y Jennifer Aniston. Antes de que me empiecen a llover palos por publicar esto en un lugar serio he de alegar que creo que a veces a todos nos apetecen ver cosas evasivas, simplonas y distraidas.

Porque eso es lo único que es Separados, pero la verdad es que yo no esperaba mucho más y por tanto la decepción no ha sido grande. A veces ocurre que necesito criticar más una película con buenas intenciones (o mejor: pretensiones) y malos resultados que una comedia romántica simplona y complaciente (al menos hasta el final, el cual no desvelaremos); llena de unos tópicos que en algunos momentos el director Peyton Reed parece querer evitar pero que terminan por florecer.

En cuanto a la dirección (dejando a un lado el manido guión) puedo decir que en algún momento se avistan buenas ideas pero que desgraciadamente están mal ejecutadas (quizá sea solo cuestión de suerte) o mal desarrolladas. Nada nuevo en el cine actual norteamericano.

Si queda algo de este film dentro de 5 años será porque la relación que se ha desarrollado durante el rodaje entre los dos protagonistas ha prosperado, sino no creo que dure más allá de unas semanas. Porque creo que está bastante claro (incluso antes de entrar a la sala) que Separados es lo más parecido a la Fast Food, lo que podríamos llamar (por inventar términos que no quede) Fast Cinema. Pero la verdad es que películas tontas e insulsas como esta se agradecen ya no solo por evadirse un rato, sino también para apreciar el buen cine de verdad, porque señores y señoras, es triste sí, pero sin mal cine no tendríamos el bueno.

LTP.

Nacho Vegas & Bunbury – El Tiempo de las Cerezas

Cuando escuché en el foro de MZK (no me cansaré nunca de recomendarlo) que uno de los mejores compositores de la música española (Nacho Vegas) se había unido a un cantante que me parece que está muy cerca de hacer grandes discos (Bunbury) para hacer un álbum llamado El Tiempo de las Cerezas en mi interior se dieron sentimientos encontrados.

Por un lado no comprendía demasiado bien la unión; respeto la carrera en solitario de Bunbury, pero la verdad es que lo situaba en un escalón por debajo de Nacho Vegas en cuanto a calidad y uno por encima en cuanto a comercialidad. Tampoco sabía a que atenerme para explicar en que pensaba Nacho vegas para unirse al ex-vocalista de Heroes del Silencio, creía que era una artimaña comercial. Por otra parte veía a dos compositores bastante compatibles en cuanto a nivel musical se refiere: Vegas con su voz dolorosa y su tono irónico y emocional y Enrique Bunbury con su acostumbrado tremendismo y su voz a lo Morrison para contar historias de despecho que me recuerdan siempre a la música popular mexicana.

El día 17 de septiembre por fin salió a la venta El Tiempo de las Cerezas, un álbum doble con una portada preciosa y unos títulos de canciones prometedores (¡ay, la ilusión!) . A lo primero que le eché un vistazo fue a qué canciones estaban compuestas por cada uno e intuí (erróneamente) de que en realidad podrían tratarse de dos discos separados, pues solo hay dos canciones compuestas y cantadas por los dos compositores. Erróneamente, sí, porque cuando puse el cd en mi reproductor me percaté de que el uno consigue integrar su propio sonido (personalísimo) en las canciones del otro, primer (e importantísimo) acierto. Muchos empezábamos a cansarnos un poco del estilo Vegas, el cual se iba empezando a repetir sospechosamente, pero en este disco consigue introducirnos por otros lugares gracias a la ayuda de Bunbury. Lo mismo ocurre al contrario: Vegas consigue captar la esencia de la otra mitad y darle una consistencia que le faltaba para llegar a ser realmente bueno en sus anteriores (y prometedores) discos.

Los dos compositores se enriquecen mútuamente, eso se nota muchísimo y llevan el disco cerca de la categoría de obra maestra, que si evoluciona favorablemente tras las escuchas (como el buen vino al que seguro son aficionados V & B) se dará el caso. Y muchos me dirán: ¿Y no se hace un poco denso un doble álbum? Y yo responderé: Pues, sorprendentemente NO. ¿Alguna duda más? ¿Que cite las mejores canciones? Esa pregunta es demasiado personal, lo tendrán que descubrir ustedes mismos, no hay más dudas, ¿verdad?

Gracias por su tiempo y que disfruten de lo mejor del año en cuanto a lo nacional se refiere.

Puntuación: **** 1/2 y subiendo

LTP.

L´ecole Du Micro D´Argent (IAM)

En 1985, Akhenaton (Philippe Fragione) y Khéops (Eric Mazel) se unieron para formar el grupo Lively Crew que dos años más tarde se llamaría B Boys Stance con la incorporación de Shurik´n (Geoffroy Mussard), Freeman( Malek Brahimi), Imhotep (Pascal Perez) y Kephren (François Mendy).

En 1989 cambiaron su nombre por el de IAM, último nombre de la banda hasta su “disolución”. IAM tiene diferentes significados para el grupo entre los que se encuentran “Imperial Asiatic Men“, “I am“ e “Invasion Arrivée de Mars“.

Aclaro, el término “Mars” es utilizado con frecuencia en las canciones de IAM como metáfora/símil de Marsella.

Un año después produjeron su primer álbum, IAM Concept. Firmaron un contrato con Virgin Records y publicaron …de la planète Mars (1991) que llegó a ser uno de los álbumes más vendidos en Francia.

En 1993 salió a la luz Ombre est lumière pero su definitiva consagración en el universo Hip-Hop vendría de la mano de L´ecole Du Micro D´Argent (1997).

Dicho Lp tardó tan solo dos dias en ser Disco de Oro en Francia y vendió finalmente más de un millón de copias llegando a ser Disco de Diamante.

L´ecole Du Micro D´Argent con temas como “L´enfer“, “Dangereux” o “La Saga” feat Wu Tang Clan, no solo lanzaron al grupo a la fama internacional sino que abrió las puertas, al Rap francés, de lugares como Inglaterra gracias a actuaciones como las del Reading Festival.

Alex

Internet, p2p y telecos.

Supongo, querido lector, que si es usted capaz de abrir un navegador, teclear esta dirección y leer este blog, conocerá el famoso programa de intercambio p2p eMule, lo cual me ahorrará redundantes presentaciones.

Al hilo del cierre del eDonkey2000 para convertirse en un sistema de p2p cerrado por la presión de la RIAA hace relativamente poco tiempo , estuve leyendo un pequeño artículo sobre como las compañias telefónicas discriminaban el uso de programas p2p en sus usuarios, también intimamente relacionado con el candente tema del intento de las compañias de telecomunicaciones por sacar negocio distinguiendo distintos tipos de información.

Muchas compañias, de facto, ya lo hacen. Por ejemplo, Ono mantiene una restricción de tráfico para paquetes provinientes de programas de intercambio de pares. También tiene la velocidad de subida “capada”. Las lineas de teléfono envian y reciben datos, normalmente, en las lineas de banda ancha Españolas, la velocidad a la que el ordenador de tu casa envia, es la mitad a la que recibe. Una linea simétrica (que envie a la misma velocidad que reciba) es un bien muy preciado y carísimo. A precios tercermundistas en este pais. Sin embargo, ONO da a sus usuarios una velocidad de subida ínfima. Son 4mb de bajada y 150k de subida. (4000k de bajada, 150k subida, cuando deberian ser 2000k, osea 2Mb)

La velocidad de bajada es la que usamos al descargar, evidentemente. Al acceder a una web, al acceder a un archivo via ftp, al escuchar una canción por streaming o ver un video flash en Youtube, estamos haciendo uso de la velocidad de descarga. La de subida, se utiliza menos (normalmente) y es la que usamos al enviar nosotros datos desde nuestra terminal. Al enviar un archivo de messenger, un email, hablar con alguien con un programad e mensajeria instantánea y… usando un sistema de archivos p2p. Como dijimos hace no demasiado, el sistema p2p tiene como límite la velocidad de subida que los usuarios puedan aportar al conjunto, así como el numero de fuentes, pero la estructura interna del eMule “castiga” a los usuarios que “no dan” o que envian poco, beneficiando a lo que tienen un gran historial de coolaboración con menores tiempos de espera a la hora de acceder a un archivo.
Se puede resumir en que, cuanto más subas, más bajas (a grosso modo) y si te limitan la subida…

Desde hace un tiempo, también,las empresas de telecomunicaciones americanas entablaban un acalorado debate que comenzó en EEUU y que acaba de llegar a España como comenta Enrique Dans en su blog. El problema suscitado por las empresas, es que quieren cobrar a los usuarios según el uso que hagan de las lineas telefónica, diferenciando los distintos tipos de envios de datos. Por ejemplo te cobrarian menos por ver una página web, y más por hablar por un sistema de mensajeria instantáneo. Y ya sacarian el sable si ven tráfico p2p. Esto se contradice de pleno con el espíritu y la definición de Internet, en el que un paquete de información es exactamente a cualquier otro y no puede darse prioridad a ninguno sobre otro, todos son iguales.

A la hora de identificar el tipo de actividad que realizamos con la linea, las telecos mirarian la estructura de envio de paquetes que utilizan los mismos programas, diferenciando fácilmente unos de otros, la navegación web del uso del eMule o el Bittorrent. Ahi entra, (a buena hora) el tema principal de este artículo, la ofuscación. La ofuscación es un sistema que ha incorporado el eMule en su última versión (0.47c) que consiste en diseminar la estructura de envio de datos que usa el eMule de manera que parezca una serie de envios aleatorios. Para las distintas redes que usa el programa, la E2k ofusca paquetes salientes y entrantes, de manera que el operador no podria detectar que usamos un p2p ni para enviar ni para recibir, la red Kadlemia, aún no ha implementado la ofuscación de subida, solo de bajada.

A la hora de bajar un archivo, el eMule buscará primero una fuente de otro usuario que también tenga activada la ofuscación (en el iconito muestra una llavecita diminuta), en caso de que no se encuentre a un usuario con estas caracteristicas, cojerá uno normal.
Esto, incrementa de manera muy muy pequeña el uso de CPU del programa, de manera que merece la pena activarlo entrando en Preferencias – Seguridad.

ARL

The Doors- The Doors

Publicado en uno de los años más productivos para la música Rock, 1967, The Doors es considerado todavía hoy como uno de los mejores debuts de la historia de la música. Hay mucha música de este momento histórico, el verano del amor, que se hace pesada y molesta en los oidos (a mí me pasa con Jefferson Airplane), está desfasada; sin embargo nada de esto ocurre con el grupo que nos ocupa, y mira que tiene todas las papeletas para sonar antiguo…

Deberían sonar antiguos por los instrumentos que utilizan (ay ese piano que no se usa desde entonces…) pero no lo hacen y deberían preguntarse por qué, o quizás no, porque creo que yo tengo la respuesta: Jim Morrison. Quizá el mayor frontman que ha dado la historia de la música. El carisma es algo esencial es una estrella de rock, y Morrison lo capta como nadie y lo hace suyo hasta el punto de reflejarlo en su imprescindible tono de voz, en sus gestos (para eso hay que ver videos de la época) y en general en su mito. Pero no solo era una buena pose (que después imitaría Enrique Bunbury con sus Héroes del Silencio, que me jor se hubieran estado callados), para eso ya están Pereza, era en esencia un poeta, alguien casi místico (¡ay el LSD!) que escribía poemas para ser cantados.

Lo gracioso es que no solo de poetas vive The Doors. Desde mi punto de vista el otro gran miembro de las puertas es el teclista Ray Manzarek, sin infravalorar la ayuda de Robbie Kireger, joder, vaya melodías se saca de la manga. Aunque el sonido de su teclado suene a viejo las composiciones son más frescas que las de grupos de hoy en día como los (pretendidamente fresco) Scissor Sisters. Otra de las cosas curiosas de The Doors, es que teniendo casi todas las composiciones del mismo corte musical en ningún momento el disco se nos hace pesado, monótono o repetitivo; de principio a fin es fresco, innovador y agradable.

Break on Trough (to the Other Side) abre el LP insuflando fuerzas por los cuatro costados y (como todo The Doors) tiene un aire psicodélico que la hace irresistible. Alabama Song prediciría el fuerte problema de Jim Morrison con el alcohol, y la verdad es que después de ver su película da un poco de grima. También está por aquí el mayor éxito de la historia del grupo: Light My Fire, escrita por el guitarrista de la banda cuando Jim Morrison les pidió que escribieran algo de atractivo universal y acortada para la radio es una amalgama de sonidos en los que queda imborrable el sonido de ese teclado. Después también pululan por el resto del vinilo cancionazas como Take it As it Comes o Twentieth Century Fox. La verdad es que cada una de ellas son imborrables, y si se tiene paciencia es de recomendada escucha el tema central de la peli Apocalypse Now, The End, que cierra el disco a lo grande con un pedazo de poema casi recitado más que cantado.

Break on Trough (to the Other Side)

LTP.

The Doors. La Película

Cuando escuché por primera vez sobre esta película me cree ciertas expectativas porque para mí el album homónimo del grupo está entre las 10 mejores composiciones de la historia de la música.

Los primeros 15 minutos fueron de júbilo y admiración hacia VAL KILMER, increible su caracterización del mito, es clavadito (a pesar de que de vez en cuando ponga unos morritos de más), gran decisión de Oliver Stone, pensé. El resto es pura bazofia pseudo-experimentaloide que no hace en caso alguno mérito a la banda. Composiciones como Break on Trough o Alabama Song (obviando clásicos indiscutibles como Light my Fire) son de lo más distraido de escuchar mientras que con The Doors. La película uno tiende a hacer dos movimientos: prestar leve atención a las imágenes y justo después mirar con considerable estupor un contador que avanza segundo a segundo dirigiéndose con extrema parsimonia hacia las dos horas y dieciseis minutos en las que se extiende el metraje.

Y es que Oliver Stone siempre se ha considerado un director experimentador, que no se cierra a nuevas experiencias, y que, por tanto, no nos cierra a nosotros. The Doors es dejar el peyote por un mal viaje antes incluso de probarlo; tengo entendido que un viaje de LSD dura unas 12 horas y eso es lo que se me antoja que se extiende el film, 6 veces más de lo que dura en realidad, un mal viaje que no se debe repetir, y a buen seguro mi menda no lo hará. Uno empieza con ciertas expectativas, y acaba odiando toda clases de drogas: desde las duras hasta el alcohol. Y lo que es (aún) peor: acaba odiando (espero momentáneamente) la música de Jim Morrison y cía.

Supongo que las constantes paradas para asegurarme de que no había ingerido sin querer LSD barato (de ese que te da malos viajes) no habrá ayudado a mi concepción del film. Pero es que es desesperante ver al Val Kilmer enchufándose a los morros a cada minuto una botella de ¿Jack Daniels? y metiéndose una pildorita (seguro que era una aspirina para aguantar las absurdas exigencias de Oliver Stone) en la boca.

Lo único remarcable es la elección del protagonista, aunque ni eso es aprovechado, ya que el director no es capaz de captar la verdadera esencia del genio. Además no se adapta a los hechos de una forma certera, joder. En fin, una película COMPLETAMENTE fallida que nadie se atreve a criticar abiertamente (que su dirección quiera aproximarse a los efectos del LSD no es excusa) por la fama del director y demás. BASURA rodada: un insulto para el cine, y además de los gordos (no lamecharcos, sino peor).

Puntuación: *

LTP.

Tupac: Resurrection

Tupac Amaru Shakur nació el 16 de junio de 1971 en el neoyorkino barrio de Harlem.

Lasane, como también era conocido, era hijo de Afeni Shakur y William Garland, y nieto de Assata Shakur todos miembros de la organización política Black Panther Party en favor de los derechos de los afroamericanos a finales de los 60′ y comienzo de los 70′.

Afeni(madre de 2Pac) enfrentó un juicio acusada de atentados terroristas mientras llevaba en su vientre a Lasane y lo ganó, siendo su propia abogada.Pero esto era solo el anticipo de una muy difícil infancia para Pac.

Tupac nunca tuvo muchos amigos, por lo que se dedicó a la poesía y a escribir en su diario.

A los 12 años, Tupac se convirtió en parte de un grupo de teatro en Harlem actuando como Travis en Raisin in the Sun.

En 1984 se mudó con su familia a Roland Park, Baltimore, donde pudo estudiar teatro, ballet, jazz además de actuar en obras de Shakespeare.

En su segundo año se trasladó a la Escuela de Artes donde entabló una fuerte amistad con Jada Pinkett.En el libro “The Rose That Grew From Concrete” de Tupac, hay un poema titulado “Jada” y otro llamado “The Tears in Cupid´s Eyes“, dedicados a ella.

Lasane compuso su primer tema en Baltimore bajo el nombre de MC New York en el que hablaba sobre el control de armas y que fue inspirado por el asesinato de un amigo.

A continuación Shakur se trasladó a California donde empezó a vender drogas en la calle a la vez que, con la ayuda de su amigo Ray Luv, creó una banda llamada Strictly Dope con la que mantenía viva la chispa por el Rap.

Esto le dio la suficiente fama como para entrar en un casting con Shock G de Digital Underground donde participó como bailarín.Su primera aparición en un disco con Digital Underground fue en el tema “Same Song” del álbum This is An EP Release en 1991.

En Diciembre del mismo año, Tupac fue acusado de abusar sexualmente de una mujer, hecho por el que fue condenado a cuatro años y medio de prisión a pesar de haberse declarado inocente en todo momento.Poco antes de que se anunciara el veredicto Tupac fue asaltado en el vestíbulo de los estudios Quad, en Times Square, recibiendo 5 impactos de bala.Sobrevivió milagrosamente y dejó el hospital pocos días después para enfrentar su veredicto en el caso de abuso sexual.

Mientras se encontraba en el Clinton Correctional Facility de New york sacó a la luz Me Against the World, ganador de varios discos de platino y que llegó a ser número uno en las listas de venta.

Lector ferviente de Nicolás Maquiavelo investigó muchas de sus obras, como El Arte de la Guerra, durante su estancia en la cárcel.

Tras su salida, comenzó a trabajar en su siguiente álbum, “All Eyez on Me“, el primer disco doble de material original en la historia del Hip-Hop y del cual se llegarón a vender mas de nueve millones de copias.

Continuó sus grabaciones prolíficas de cientos de temas que más tarde verían la luz en álbumes póstumos.

Comenzó también a editar un disco con Boot Camp Clik bajo el nombre One Nation con el objetivo de cerrar las continuas guerras entre ambas costas.Finalmente el álbum no fue publicado.

Ese mismo año publicó Makaveli:The Don Killuminati: 7 Day Theory.

Lanzado dos meses después de su asesinato, este álbum predecía su muerte en muchas canciones. Se dice que el álbum completo fue creado en siete días y una de las canciones más populares de este álbum, “Hail Mary“, según dicen, en tan solo 30 minutos.

Este Lp vendió más de cinco millones de copias.

Makavelí, como también era conocido, fue el más popular, influyente y revolucionario rapero de todos los tiempos.Su espectacular éxito en ventas lo avalan con 44.5 millones de copias vendidas en EE.UU y 73 millones en todo el mundo.Además de rapero era actor, productor y poeta.

Sus temas hablan sobre el crecer entre la pobreza, la violencia, los ghettos y el racismo con fuertes mensajes económicos, políticos y de igualdad racial en sus letras.

Tupac murió el 13 de septiembre de 1996, una semana después de que fuese tiroteado por cuatro personas en la ciudad de Las Vegas(Nevada).Se dice que ese brutal asesinato fue consecuencia de su enesmitad con otros raperos de la costa este de estilo gangsta.

-Lasane fue miembro de varios grupos durante su carrera.

Born Busy fue su primera banda musical en la que participó bajo el seudónimo de Mc New York en compañia de Ace Rocker y Dj Plain Terror

Más tarde surgió Underground RailRoad resultado de la fusión entre Live Squad, Big D The Impossible, Pee Wee, Jeremy y miembros de Digital Underground.Este grupo produjo todas las canciones del primer disco de Tupac.

Con 18 años, Lasane se unió al grupo Digital Underground junto a Shock G y ChopMaster J. haciendo su primera colabo’ en la canción “Same Song“.

Se unió posteriormente a la banda formada por jóvenes de Marin City Two From The Crew que hizo canciones como “Lifestyle Of The Poor And Homeless” y “Lets Get It On” que hablaban de la vida de las personas de color en los ghettos.

Formó parte del grupo Strictly Dope y a continuación se unió a Randy Walker “Stretch” formando el dúo Thug Life.Tras el abandono del grupo por parte de Stretch, Tupac grabó una cancion titulada “Thug Life” junto a Tyruss Himes “Little Psycho” que más tarde cambiaría su apodo por el de Sike.Macadoshis y The Rated R se unieron al grupo posteriormente y consiguieron grabar con la ayuda de Interscope Records su único Lp llamado Thug Life Volumen 1.Poco antes de que el grupo se disolviera, Mopreme (Maurice Harding), hermanastro de Tupac, también se unió al grupo.

Por último, antes de fallecer, Tupac junto a Dramacydal, Sike (Mussolini) y Mopreme integraban el grupo Outlawz

-Durante toda su carrera musical tuvo multitud de rivales…

A pesar de que Notorious B.I.G era muy amigo de Lasane al principio, su relación se complicó desde el asalto sufrido por Pac en 1994, incluso muchos acusan a Notorious de haber ordenado su asesinato.

Puff Daddy era amigo de Notorious, razón suficiente para que 2Pac le declarase la guerra.

Además mantuvo una lucha constante con raperos como Jay-Z, LL Cool J, Nas, Dr.Dre, Chino XL y The Fugees entre otros

-Si destacamos una canción de cada Lp publicado por Black Prince (2Pac) mientras vivía, escogemos:

“Brenda´s got a baby” de 2Pacalypse Now(1991)

“Keep Ya Head Up” de Strictly 4 My N.I.G.G.A.Z(1993)

“Dear Mama” de Me against the World(1995)

“California Love” de All Eyez on Me(1996)

..y, en mi opinión, una de sus mejores creaciones: “2 Of Amerikaz Most Wanted” feat Snoop Dogg

Álex

House .MD.

- Padres: ¡Nos dijo que nuestro hijo habia muerto!
- House: No se preocupen, les aseguro que pronto lo estará. Además, así les he ahorrado el atasco de las doce.

Gregory House (Hugh Laurie) no es un médico típico. Sin bata y lisiado con bastón, luciendo barba de tres dias, escasisimos complejos y una menor cuota de sensibilidad dirige el departamento de diagnóstico clínico del hospital. Es una persona con un gran sentido del sarcasmo, la ironia y un complicadísimo sentido del humor, siempre seguido de su grupo de tres “lacayos”, sus otros doctores suboordinados que le ayudan en su complicado oficio , Cameron (Jeniffer Morrison ), Foreman (Omar Epps) y Chase (Jesse Spencer).
El profundo desdén de House por las normas, su brutal y directa sinceridad y su extremada vagancia por trabajar en otra cosa que no sean apasionantes casos clínicos de extraños signos, que aborda siempre como rompecabezas (desdeñando la opinión de los pacientes a los que nunca visita y de los que siempre asume que están mintiendo) lo llevan a andar a vueltas con la directora del hospital, Lisa Cuddy (Lisa Edelstein ).

El creador de la serie, David Shore , estrenó allá por 2004 el episodio piloto de la serie (Capítulo de prueba con el que deciden si una serie sigue adelante con el beneplácito de la productora), recibiendo la respuesta más que afirmativa, conformando una temporada de 22 capítulos. Y tras la primera (todo un éxito de audiencia y fans en EEUU y Europa), una segunda (esta de 24 capítulos) que, partiendo de la premisa de no “ablandar” a su estrella principal y seguir tan amargado e hiriente como siempre, ha cosechado de nuevo un inmenso éxito.

Aqui en España, la nueva cadena Cuatro , al carecer de licencia para emitir películas ha confiado su éxito en las series, siendo una de sus principales pabellones la que nos ocupa. Emitió un capítulo semanal durante toda la primera parte del 2005, dejando la segunda temporada (último capítulo el 2×13) a medias por el comienzo de la época estival y mientras en EEUU rodaban la 3º. De vuelta al curso escolar, Cuatro emitirá el resto de la 2º temporada, y allá por Enero comenzará con la tercera (cuyos dos primeros capítulos ya han emitido en EEUU en inglés el dia 5 y 12 de septiembre respectivamente).

House es una de las series que dio mayor “pelotazo” en los premios televisivos Emmy americanos, teniendo 5 nominaciones. Y es que el personaje de este extravagante doctor es una delicia de complejidad y profundidad. No solo la excelente interpretación que Hugh Laurie hace de el, sino sus origenes literarios lo hacen un personaje bastante completo. Basado más que parcialmente en la figura de Sherlock Holmes, House vive en el 21B de Baker Street, es drogadicto (yonki de los calmantes), extremadamente inteligente y su mejor amigo se llama Wilson (Holmes – Watson, House – Wilson). Pero no solo ello indica su parecido con el famosísimo detective de Conan Doyle, su manera de aplicar una escueta lógica y el método científico a sus casos, resolviendo complejos rompecabezas a partir de detalles o pequeñas pistas (famosas son sus pequeñas deducciones, bien sobre la menstruación de Cuddy o los flirteos de su amigo Wilson (Robert Sean Leonard). No obstante, el personaje, según su autor, también bebe de numerosas fuentes literarias, como Cyrano de Bergerac, Henri Higgins (Recueden My Fair Lady) o con personajes de El retrato de Dorian Gray (supongo que en cuestión a la amoralidad de House).

A diferencia de otros “dramas médicos” como les ha dado por llamarlos, como Anatomia de Grey, House no se basa en las relaciones entre los médicos, tomando un cariz de investigación casi policial, en el que, de manera parecida a CSI, House y su equipo van encargándose de un caso por capítulo, repitiendo el mismo esquema. Paciente que tose un poco, va al hospital (en la segunda temporada siempre empieza a toser uno pero el que se pone malo es el que está al lado) y acaba moribundo, entre punciones lumbares, taladros en el cráneo y transplantes de alto riesgo, para, tras varios intentos, verse salvado, siempre después de haber tenido que confesar algún tipo de secreto de índole personal (Los médicos de House allanan las casas de los pacientes a los que tratan, buscando evidencias médicas y en el último capítulo de la 2º temporada hay una pequeña auto-parodia sobre el tema del “Everybody Lies”). Sin embargo, a pesar de repetir esquemas, la acción no es siempre repetitiva, ya que las situaciones varian bastante y, reconozcámoslo, el show gira en torno a ese médico gruñón e imprevisible. Los espectadores siempre están pegados a la pantalla, pendientes todos de cual será su siguiente comentario demoledor o patochada sin complejos del personaje . En todo caso, como comentó una amiga mia que estudia medicina “Si ese tio estuviese ejerciendo en España, lo hubiesen echado a los 5 dias (semana laboral) y ya podia ser cuñado de la ministra de Sanidad.” Cuestión que, supongo, ha hecho que la popularidad de la serie ascienda como la espuma.
Las temporadas al parecer, tienen “cuerda” para rato, yo por mi parte no soporto lo que las televisiones hacen con ella. Cuatro, tardará unidades astronómicas de semanas en empezar a emitir la tercera temporada, y yo por mi parte no poseo la Fox (que presumiblemente la emitirá antes). De manera que, como siempre he hecho, tocará tirar de eMule o Bittorrent para bajar capítulo a capítulo. Ya hice lo propio con la 1ª y 2ª temporadas, que tengo grabadas en DvD con excelentes resultados gracias a que en los foros de tusseries.com (exige registro pero merece la pena) se puede encontrar abundantísima información asi como las últimas novedades y por supuesto, E-Links, Torrents y subtítulos para la serie (y muchas otras) o la manera de encontrarlas.

Recomendadísima. Contraindicada para personas que tengan tendencia a volverse sardónicos o mordaces. Su agresividad verbal puede aumentar exponencialmente con grave riesgo para su estado físico/mental/social. En caso de duda pregunte en IMDB.

ARL

Misterioso asesinato en Manhattan

Misterioso asesinato en Manhattan está considerada, si no la mejor, una de las cumbres del cine de Woody Allen. Reunidos Woody, Diane Keaton, Alan Alda y Anjelica Huston, comienza el espectáculo. Una comedia neurótica al máximo exponente del que este director es capaz envuelta en una historia de misterio, como su buen y descriptivo nombre indica (Mannhatan Murder Mistery MMM).

Woody y Keaton interpretan a un matrimonio algo anquilosado por el paso de los años, fuertemente intelectual, moderno y avenido. Aunque el tiempo no pasa en vano, y mientras el personaje de Diane Keaton busca algo excitante y comienza a fijarse en un amigo de la pareja recién divorciado, Ted (Alan Alda), su marido, algo apático, editor de libros, inicia el aproximamiento táctico a una de sus autoras más atractivas (Anjelica Huston).
En medio de esta pequeña historia de celos, la agradable vecina del apartamento colindante a la pareja, muere, al parecer de un paro cardíaco. Ante ciertos puntos extraños en la historia, la duda surge… ¿La habrá asesinado su marido?.

Con pequeñas reminiscencias a “La ventana Indiscreta” que espero comente mi amigo Lucas dentro de poco, Keaton comienza a investigar junto a Ted el crimen. La cinta guarda una estructura curiosa, el guión, pese a ser completa y totalmente lineal (algo a lo que acostumbra siempre Allen) mantiene al espectador perplejo durante toda la película, sin ocultar información “tramposa” y sin extraños y rizados giros del argumento. Quizá por ello comenten que sea su obra más conseguida, ya que funciona a la perfección tanto como película cómica (Los que odien el “Neurotismo Allen” que sea abstengan, conozco a más de uno) con situaciones y diálogos realmente graciosos como buena siguiendo la trama de misterio, como he dicho, paso a paso pero sin revelar nada. El espectador sabe exactamente lo mismo que los investigadores, no se le ocultan detalles, hasta que por fín, lo averiguan.
No es quizás la forma más adecuada de crear tensión… pero es una cinta cómica, no pretende crearla (tal y como describia Hitchcock, el suspense es algo que conoce el espectador pero que no conoce el personaje en pantalla) sino que su ambiente misterioso esconde la comedia en su interior… ¿o tal vez sea al revés?.

Del guión, poco que decir. Woody es acusado (a veces con motivo) de ser más escritor que cineasta, y aunque esto lo desmienta año a año filmando una producción anual, puntual cual reloj suizo, su faceta principal de escritor es más que evidente. Las conversaciones durante toda la película, neuróticas, intelectuales, o incluso intrascendentes están perfectamente tratadas demostrando el buen pulso narrativo que posee este extravagante director y lo mucho que quiere a su querida jungla de asfalto, edificios y caótico tráfico llamada Manhattan, a la cual, de paso, hace un espléndido homenaje (como si fuese poco con “Manhattan” a secas).

Bueno, ciertamente creo que se ha notado algo mi marcada afinidad a este director, del que espero impaciente sus novedades año tras año (En este caso Scoop) que nos regala joyas como La rosa púrpura del cairo o la grande Match Point (En mi opinión la mejor película del 2005) Tan maltratado por los estadounidenses, hasta el punto que poco a poco se ha ido deslizandonos cerquita, abandonando su querida Manhattan natal para rodar en Inglaterra, París y próximamente, Vigo. Como el mismo dijo: “Bueno, siempre quise ser director de cine extrangero”.

La parte negativa de Misterioso asesinato en Manhattan, es sencillamente que a quien no le guste el neurótico, ebullente y retorcido humor del director norteamericano no encontrará en la película más que una sucesión de conversaciones muy muy personales del autor en un estilo de humor que no le agradará y una historia de misterio algo difuminada entre ese comicismo tan adverso al carácter de algunas personas.

ARL

Avanti! (¿Que ocurrió entre tu padre y mi madre?)

Como bien demostró una y otra vez, Billy Wilder era capaz de manejar los tópicos y lugares comunes como nadie. Si cualquier director rodase una película basando la mayoria de sus gags cómicos en los prejuicios más universales que posee un pais o una región nos levantariamos indignados, o la tachariamos de simple, mirándola de reojo con una ceja enarcada, pensando seguramente en que el cine evoluciona y que ya esas cosas no se hacen hoy dia (mentira, las siguen haciendo, eso si, más políticamente correctas).

Ah. Pero Wilder no es cualquiera. ¿Cual es el truco para hacer películas como Irma la dulce o Avanti!, basadas prácticamente en mostrar lo pintoresco de los pueblos Europeos sin quedarse en lo vacio del tópico?. Ello también se puede aplicar a algunos chistes de Un, dos , tres, o incluso de recursos románticos en Ariane. O saliendo de la trayectoria misma de nuestro director favorito, irnos a Lubitsch, con su enamoradiza y optimista visión de los pobladores de París en Ninotchka.

Pero, espera chico, ten cuidado que hablas de Wilder, y puedes quemarte con lo que digas. Tranquilidad, no voy a poner a parir al maestro ni a llamarle facilón, ni de lejos. Wilder es, como se le suele llamar, un cineasta del tipo de los de “Guión trabajado”. Las historias de Wilder muestran siempre su particular huella impresa. En el guión. Esto quiere decir los personajes, las actitudes, los diálogos. Las situaciones y gags son siempre reconocibles, traen esa marca. Y el mismo trabajo sobre el libreto implica que convierte los lugares gastados y tópicos en “magia”. Los franceses, los cuales todos poseen amante, la relajada vida italiana, las tres horas de comer y su forma de conducir… todo ello pasa de ser topicazos insulsos a tener esa pequeña gracia que dan las exageraciones y los personajes cómicos de por si.

En Avanti! Wilder recurre a la mayoria de ideas preconcebidas que podemos tener sobre los italianos y más, pero consigue introducirlas de manera que, al americano de la época le pareciese atrayente, mágico e interesante. Esa idea de una sociedad más relajada, tolerante y por ende, feliz.

El actor favorito de Wilder, Jack Lemmon, hace de un imperativo y duro ejecutivo el cual va a recoger el cadaver de su padre, muerto en un accidente de tráfico en  Italia. Es eficaz y seco. Tan mandón y organizativo como McNamara en Un, dos tres.  Pero al llegar Lemmon a la pequeña isla Italiana, descubre que su padre no murió solo, sino que lo hizo en compañia de su amante. Una amante a la que veia todos los veranos durante 10 años. Como dice la propia sinopsis de la película, Lemmon se enamorará de la hija de la amante de su padre, cerrando una especie de elipsis bastante romántica.

Como he dicho, gran parte de la cinta se basa en el retrato de la romántica Italia y sus gentes. Sencillas, divertidas y pintorescamente sanas en tanto a su forma de vida, mucho más desahogada que en los paises norteños, lluviosos y grises (como bien comentan a la hora de enterrar a la pareja). Multitud de situaciones típicamente italianas, mafia, venganza, vagancia, conducción temeraria, burocracia, corrupción, infidelidades… Banda de cíngaros incluida como en Ariane

Juliet Mills encarna el personaje de Pamela Piggot, en la que hasta el nombre resuena algo regordete. Ella es la hija de la amante, y ejerce el papel de romántica incurable algo acomplejada.  Junto a Clive Revill hacen unos secundarios bastante conseguidos, siendo este quien interpreta al sufrido, refinado, complaciente y eficiente director del Hotel.
Como detalle interesante y algo entristecedor, recuerden que la película es de 1972, lo cual nos situa en este pais en la agonizante dictadura Franquista. Agonizante, pero dictadura, como he podido comprobar en mi versión, tres o cuatro escenas con desnudos han sido completamente eliminadas del metraje castellano (en esos momentos no habia audio español, los actores hablaban en inglés, mostrando cuando cortaban la imagen) . Tampoco es que en la época hiciese demasiada ilusión ver el blanco y arrugado trasero de Lemmon al aire, pero indigna, ya que hay chistes que se pierden.

ARL