El Trastero

Cuando escuché en el foro de MZK (no me cansaré nunca de recomendarlo) que uno de los mejores compositores de la música española (Nacho Vegas) se había unido a un cantante que me parece que está muy cerca de hacer grandes discos (Bunbury) para hacer un álbum llamado El Tiempo de las Cerezas en mi interior se dieron sentimientos encontrados.

Por un lado no comprendía demasiado bien la unión; respeto la carrera en solitario de Bunbury, pero la verdad es que lo situaba en un escalón por debajo de Nacho Vegas en cuanto a calidad y uno por encima en cuanto a comercialidad. Tampoco sabía a que atenerme para explicar en que pensaba Nacho vegas para unirse al ex-vocalista de Heroes del Silencio, creía que era una artimaña comercial. Por otra parte veía a dos compositores bastante compatibles en cuanto a nivel musical se refiere: Vegas con su voz dolorosa y su tono irónico y emocional y Enrique Bunbury con su acostumbrado tremendismo y su voz a lo Morrison para contar historias de despecho que me recuerdan siempre a la música popular mexicana.

El día 17 de septiembre por fin salió a la venta El Tiempo de las Cerezas, un álbum doble con una portada preciosa y unos títulos de canciones prometedores (¡ay, la ilusión!) . A lo primero que le eché un vistazo fue a qué canciones estaban compuestas por cada uno e intuí (erróneamente) de que en realidad podrían tratarse de dos discos separados, pues solo hay dos canciones compuestas y cantadas por los dos compositores. Erróneamente, sí, porque cuando puse el cd en mi reproductor me percaté de que el uno consigue integrar su propio sonido (personalísimo) en las canciones del otro, primer (e importantísimo) acierto. Muchos empezábamos a cansarnos un poco del estilo Vegas, el cual se iba empezando a repetir sospechosamente, pero en este disco consigue introducirnos por otros lugares gracias a la ayuda de Bunbury. Lo mismo ocurre al contrario: Vegas consigue captar la esencia de la otra mitad y darle una consistencia que le faltaba para llegar a ser realmente bueno en sus anteriores (y prometedores) discos.

Los dos compositores se enriquecen mútuamente, eso se nota muchísimo y llevan el disco cerca de la categoría de obra maestra, que si evoluciona favorablemente tras las escuchas (como el buen vino al que seguro son aficionados V & B) se dará el caso. Y muchos me dirán: ¿Y no se hace un poco denso un doble álbum? Y yo responderé: Pues, sorprendentemente NO. ¿Alguna duda más? ¿Que cite las mejores canciones? Esa pregunta es demasiado personal, lo tendrán que descubrir ustedes mismos, no hay más dudas, ¿verdad?

Gracias por su tiempo y que disfruten de lo mejor del año en cuanto a lo nacional se refiere.

Puntuación: **** 1/2 y subiendo

LTP.

Publicado en uno de los años más productivos para la música Rock, 1967, The Doors es considerado todavía hoy como uno de los mejores debuts de la historia de la música. Hay mucha música de este momento histórico, el verano del amor, que se hace pesada y molesta en los oidos (a mí me pasa con Jefferson Airplane), está desfasada; sin embargo nada de esto ocurre con el grupo que nos ocupa, y mira que tiene todas las papeletas para sonar antiguo…

Deberían sonar antiguos por los instrumentos que utilizan (ay ese piano que no se usa desde entonces…) pero no lo hacen y deberían preguntarse por qué, o quizás no, porque creo que yo tengo la respuesta: Jim Morrison. Quizá el mayor frontman que ha dado la historia de la música. El carisma es algo esencial es una estrella de rock, y Morrison lo capta como nadie y lo hace suyo hasta el punto de reflejarlo en su imprescindible tono de voz, en sus gestos (para eso hay que ver videos de la época) y en general en su mito. Pero no solo era una buena pose (que después imitaría Enrique Bunbury con sus Héroes del Silencio, que me jor se hubieran estado callados), para eso ya están Pereza, era en esencia un poeta, alguien casi místico (¡ay el LSD!) que escribía poemas para ser cantados.

Lo gracioso es que no solo de poetas vive The Doors. Desde mi punto de vista el otro gran miembro de las puertas es el teclista Ray Manzarek, sin infravalorar la ayuda de Robbie Kireger, joder, vaya melodías se saca de la manga. Aunque el sonido de su teclado suene a viejo las composiciones son más frescas que las de grupos de hoy en día como los (pretendidamente fresco) Scissor Sisters. Otra de las cosas curiosas de The Doors, es que teniendo casi todas las composiciones del mismo corte musical en ningún momento el disco se nos hace pesado, monótono o repetitivo; de principio a fin es fresco, innovador y agradable.

Break on Trough (to the Other Side) abre el LP insuflando fuerzas por los cuatro costados y (como todo The Doors) tiene un aire psicodélico que la hace irresistible. Alabama Song prediciría el fuerte problema de Jim Morrison con el alcohol, y la verdad es que después de ver su película da un poco de grima. También está por aquí el mayor éxito de la historia del grupo: Light My Fire, escrita por el guitarrista de la banda cuando Jim Morrison les pidió que escribieran algo de atractivo universal y acortada para la radio es una amalgama de sonidos en los que queda imborrable el sonido de ese teclado. Después también pululan por el resto del vinilo cancionazas como Take it As it Comes o Twentieth Century Fox. La verdad es que cada una de ellas son imborrables, y si se tiene paciencia es de recomendada escucha el tema central de la peli Apocalypse Now, The End, que cierra el disco a lo grande con un pedazo de poema casi recitado más que cantado.

Break on Trough (to the Other Side)

LTP.

Ochrasy, palabra inventada con la que el grupo sueco se refiere a las horas posteriores a un concierto. ¿Será que querrán estar mucho años en escena?

Pues por este disco le permitimos la licencia porque tienen un material más que digno para presentar en su gira. Antes de que me pregunten los amantes del “pasar por caja para comprar un LP” he de decir que SÍ, que ya he oido el susodicho. En las tiendas sale el nosecuantos de septiembre, pero ya rula por internet.

Siguen con sus influencias de siempre, a medio camino entre el rock clásico de unos Zeppelin modernos y la estela que dejaron los libertinos. Sin embargo en esta ocasión nuestro grupo inclina la balanza más hacia la influencia inglesa. A pesar del leve cambio de dirección en el sonido, no se confundan, este es un trabajo continuista. La verdad es que no veo mal que un grupo saque un segundo o incluso tercer disco con el mismo sonido que en sus anteriores, magistral ejemplo de ello es el admirado You Could Have it So Much Better de los escoceses Franz Ferdinand; pero que se anden con cuidadito que otro álbum más asi podría destruirlos.

Y que estaban acabados pensaron muchos en el foro de MZK a la primera escucha del álbum, incluso alguien los calificó de hypes (imperdonable, grr grrr). La verdad es que muchas de las opiniones que pusieron el grito en el cielo han ido amainando y se han acercado bastante a mi postura con respecto al disco. Y es que Ode to Ochrasy no es el mejor álbum de los chicos suecos, seguramente incluso sea el peor, pero es un compacto sin canciones de relleno (como afirmaban algunos) con estribillos pegadizos cercanos a The Libertines y guitarras un tanto alocadas, sello también de los antes citados.

En cuanto a las canciones… La verdad es que es difícil remarcar alguna por encima de las demás pues todas están a un nivel parejo, de la canción número uno a la 14. El single (Long Before Rock´n´Roll) es coreable en estadios, y está bastante agradable, mientras que canciones como Killer Kaczinsky son más que respetables. Amsterdam de carácter épico es bastante chulo y Josephine no está nada mal con su tempo más relajado. En fin, un buen disco que si fuera de otro quizás estuviera entre los discos del año, pero teniendo el pepinazo de Hurricane Bar por anterior disco es difícil aclararse.

El tiempo dirá si este disco perdura o muere, por ahora tiene mi voto de confianza.

Y para los curiosos os yousendizo el LP, pinchad en la canción y la podreis descargar gratis desde la página. Pero tened cuidado porque el plazo acaba en una semana justa o 100 descargas.

1.- Welcome Home, Luc Robitaille/ 2.- Killer Kackzynski/ 3.- Long Before Rock´n´roll/ 4.- The Wildfire (if it was true)/ 5.- You don´t Understand Me/ 6.- Tony Zoulias(lustful Life)/ 7.- Amsterdam/ 8.- Tv and Me/ 9.- Josephine/ 10.- The New Boy/ 11.- Morning Paper Dirt/ 12.- Good Morning, Herr Horst/ 13.- Song of Aberdeen/ 14.- Ochrasy

LTP.

“Al 90% de las personas de este planeta, sobre todo de Occidente, las ha traido al mundo una botella de Whisky un sábado por la noche, y el hijo no figuraba entre los planes.”

John Lennon, producto de una botella de whisky, nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool. Desde ese momento la tutela la asumió tía Mimi. A su padre no lo vio nunca y es como si no existiera, pronto lo olvidó; sin embargo a su madre sí la veia de vez en cuando y nunca dejó de quererla. Una infancia difícil le llevó tópicamente hacia una adolescencia conflictiva. A pesar de que todos los profesores lo consideraban un alumno aventajado intelectualmente, nuestro músico no se preocupaba en demasía por los libros de texto y poco a poco fue creando una fachada para protegerse de los demás que lo convirtió en todo un teddy boy (lo que hoy se conoce como kani, pero que siempre ha existido, por lo visto) allá por su estancia en la escuela de arte, donde conoció a la que sería su primera mujer: Cynthia.

También por la época de la escuela de arte conoció a un tal Paul McCartney con el que se llevaba dos años y que vivía en una zona residencial de clase media con su padre, que le había enseñado a tocar instrumentos. Empezaron intercambiando grabaciones de Jerry Lee Lewis y demás hasta que un día decidieron ellos dos formar un grupo. Lo siguiente fue buscar un guitarrista, para ello Paul presentó en una especie de casting a un tal George Harrison que tenía una guitarra y 3 años menos que John. Fue aceptado.

Todos sabemos la dificultad de acceder al mundo de las discográficas y los conciertos y demás parafernalia artística, por eso no es de extrañar que los tres Beatles a falta de un buen batería fijo, aceptaran un contrato para tocar en los clubes de Hamburgo, fuera de su pais natal y aún muy jóvenes. Abandonaron los estudios y se fueron a tocar en cuchitriles de mala muerte donde les pagaban una miseria viviendo en cuartos colindantes a estercoleros por hacerse con algo de fama. Poco a poco se hicieron un nombre y todos querían verlos en el Cavern Club. Un día normal y corriente apareció por allí un batería de un grupo mayor que el suyo que también turulaba por los clubes de Hamburgo, un tal Starkey, le gustó mucho el grupo y cuando John (líder del grupo por ese momento) le propuso entrar en él no lo dudó y lo hizo, buena elección. La verdad es que en ese momento todos respetaban bastante a Ringo Starkey (Starr), solía vestir una chupa de cuero y unas gafas de sol, y parecía mucho mayor (un año más que Lennon) Ya estaban los clásicos Beatles, justo en el momento en que se fue el bajista primitivo cuyo nombre no recuerdo.

Paul, John, Ringo y George harían historia.

Lo siguiente es su vuelta a Inglaterra y la publicación de Please please Me, que ya hemos comentado. Pero el verdadero reconociemiento les llega con la peli y su banda sonora: A Hard Day´s Night. La verdad es que la peli está bastante bien, la recomineod sobre todo por verlos en su propia salsa, el humor del personaje que nos ocupa es irresistible, su carisma inigualable, por eso y aunque nadie dijera nada, en ese momento John Lennon era el líder de la banda, seguido de cerca por un ¿celoso? Paul McCartney.

Sin embargo las tornas van girando poco a poco y Macca va adquiriendo protagonismo en discos como Rubber Soul o Revolver y John se queda un poco en la estacada compositivamente hablando. Aún sin ser el líder conseguía desmarcar los discos de los Beatles de la calificación de pop que asignaba Paul con sus característico estilo, y los solía llevar a terrenos más rock, John Lennon era el más rockero. Canciones como Come Together o I Want You lo demuestran, aún teniendo melodías irresistiblemente psicodélicas como Lucy in the Sky of Diamonds o Strawberry Fields Forever.

Las tensiones entre los Beatles fueron en incremento con el paso de los años y la muerte del mánager Brian Epstein las acrecentaron aún más. Además, claro de las apariciones en escena de las parejas de Paul (Linda) y John (la archidenostada Yoko Ono). Yoko se pasaba el día en el estudio junto a John porque no podían estar separados un segundo, el resultado fue la ruptura de los Beatles, decidida por John Lennon.

Cansado de la vida que había llevado con los Beatles y alentado por Yoko Ono nuestro John Lennon se aplicó una terapia de moda en ese momento: Primal Scream Therapy. Terapia de la que un grupo ha tomado su nombre y que parió el mejor álbum de John en solitario: Plastic Ono Band. Un grito descarnado en el que se desnudaba en alma demandando a sus padres por su infancia (Mother), o criticando a todo Dios, nunca mejor dicho (God). Por esa época también hizo comentarios bastante incendiarios criticando a su antigua formación, además de actos públicos como estar varios días en una cama grabado por la cámaras en protesta de la guerra de Vietnam, junto a Yoko, claro.

En fin, por esos momentos (casi como antes) su vida está llena repleta de escándalos mediáticos. También ocurrían cosas trascendentales para su vida como la confirmación de su segundo matrimonio en Gibraltar y vestidos de blanco ambos dos. En fin, entre hecho y hecho John consiguió publicar su segundo disco en solitario, Imagine. Aquí descubrió que todo mensaje duro entraba mejor con azúcar por encima (caso de la canción que da título al LP), un muy buen álbum. Por estas fechas nace el primer hijo del matrimonio Sean Lennon (que acaba de publicar un estimable LP: Friendly Fire). La verdad, para los fans de John este es un hijo no deseado, se decidió a criarlo y a dedicarse a las tareas del hogar (cosa rara en esa época) mientras que Yoko se encargaba de los negocios. Cinco años después y ya en 1980 John se decide a preparar un nuevo disco con su mujer: Double Fantasy, un álbum con canciones estimables y otras que son un rollo (las de Yoko, pa´ que engañarnos).

Para promocionar su álbum organizó una entrevista con la revista Rolling Stone en la que se hizo una de las fotografías mas famosas de su historia, y su última entrevista. Aquí está ->.

Tras salir de la entrevista con nuevo peinado, por cierto (estilo McGyver) se dirigió con Yoko al Dakota (donde se alojaban), ahí le esperaba un “fan”: Mark Chapman que tras pedirle un autógrafo le propinó dos disparos.

FIN

P.D: Un gran recopilatorio con lo mejor de la carrera de John Lennon en solitario es el recientemente publicado: A Working Class Hero, con dos cd´s.

John Lennon- God:

John Lennon-Declaraciones sobre su libro en la televisión (para los que sepan algo de inglés).

Una portada de extraña belleza retrata a la perfección el álbum más incomprendido de los británicos Blur.

¿Y por qué es un incomprendido? Muy sencillo: en el 2003, año de publicación de Think Tank, el segundo músico con más influencia del grupo, Graham Coxon decide continuar su carrera en solitario. En ese preciso momento deja a Alex James (bajo) y a Dave Rowntree (batería) a merced de las exigencias de Damond Albarn que configura el disco a su antojo como si de un proyecto personal se tratara. ¿Consecuencia? Se produce un cambio de sonido bastante acusado que causa el estupor de los seguidores del magnífico grupo. Lo siguiente es la incompresión como habrán intuido.

La mejor manera de escuchar este disco es desde la ignorancia. Si a un gran fan de la época britpop de Blur le pincharan este disco sin decirle el compositor quizás se viera opulosamente recompensado, sin embargo era un disco de Blur, y no entra entre ceja y ceja que pudieran fabricar un sonido asi… En cambio a mi, que es al primer disco de Blur al que presto verdadera atención (nunca me atrajo demasiado Song 2), me encanta.

Paisajes electro-pop inundan los tímpanos con sus sutiles tintes industriales y la voz del incombustible Damon Albarn (claro vencedor en su lucha contra Oasis, pasados los años) desengranando “banales” letras que dejan el verdadero protagonismo a la música. Cada corte es un mundo: Ambulance, canción que abre el viaje se abre con un sonido de baterías para dar paso a un tranquilizador sonido casi místico acompañado de una tranquilizadora letra, un temazo. En cuanto a Out of Time ¿Qué puedo decir? Un primer single bastante atípico, una especie de balada en la que Damon Albarn juega con su voz configurando la que, a mi parecer, es la mejor canción del álbum. Crazy Beat es una especie de rock aderezado con música electrónica que parece querer repetir el éxito de Song 2, aunque yo prefiero esta, pues por la anterior siento cierta aversión. Y asi se

desarrolla el disco entre paisajes electrónicos paradisiacos y pesadillas entre discotequeras e industriales. En fin un disco muy variado musicalmente, pero sin salirse de la electrónica que en alguna ocasión recuerda a un Radiohead un poco más juguetón.

Ciertos momentos un poco decadentes (Gene by Gene) se alternan con canciones geniales (Moroccan Peoples Revlutionary Bowls Club) y momentos para el recogimiento emocional (Sweet Song) configurando el disco más menospreciado del grupo. Quizá a nivel lírico y compositivo no sea el mejor, pero sí un disco a reivindicar con una preciosa portada (muy acertada).

LTP.

Tapestry es un LP de emociones a flor de piel y es que Carole King imprime con su personal voz sentimientos de muy distintos matices.

El piano es uno de los instrumentos más maravillosos que existen, con él se pueden expresar una gran cantidad de sentimientos, desde la melancolía hasta la euforia. Tapestry se abre con el sonido de uno, de esos eufóricos; poco más tarde entra la voz de una Carole King muy animada que suelta un mensaje de lo más positivo (el título: I Feel The Earth Move) que es capaz de animarte el día. A poco que sepas inglés lo pillas, tranquilo. Por si acaso aquí dejo un enlace al tema.

Continuando a través de los tres cuartos de hora del disco pronto nos damos cuenta de que se trata de una montaña rusa de sentimientos, sube y baja el estado de ánimo del melómano conforme van pasando las canciones, y en la segunda del disco: So Far Away se produce un considerable bajón, su pop prístino se pone al servicio de una melodía melancólica en la que se extraña a alguien. Una simple aclaración, quizás por lo que cuento el LP puede parecer un poco blandito; nada más lejos de la realidad, la voz de Carole King es de una personalidad apabullante y aporta un toque sentimental en ningún caso almibarado.

Hay ocasiones incluso en las que se cambia de registro en la misma canción; en It´s Too Late nuestra compositora nos ofrece una canción que encierra cierta tristeza no solo en la letra, sino también en el (ya citado) maravilloso registro vocal. Una canción que ofrece a fortalecerse en momentos débiles sentimentalmente hablando.

Y asi continúa el disco. Unos instrumentos no demasiado complejos (piano, guitarra acústica…) acompañan a las verdaderas protagonistas del disco: una voz y unas letras IMPRESIONANTES. Y aún más sorprendente es que estas letras se compusieran por “encargo”. Anteriormente nuestra compositora se consideraba solo intérprete de las canciones de otros, sin embargo en este LP se arrancó a componer por recomendación y sorprendió a todos con unas letras llenas de vida.

Es sorprendente como un disco que se hizo en 1971, poco después de finalizar la época hippie suene tan actual en estos días. Muchos discos de esos años están hoy como meras anécdotas del verano del amor y demás (caso de los LP de Jefferson Airplane), pues suenan completamente desfasados, pero Tapestry podría haberse hecho ayer… Corrijo, hace tiempo que no suena algo tan delicado como Tapicería (traducción literal), alberga todas las mejores virtudes de esos años y evita los sonidos que con el tiempo han pasado a estar desfasados.

Una de las pequeñas perlas que se quedan oculta con el paso de los años y que de vez en cuando no viene mal recordar.

Tras el atisbo de cambio producido con Help, se confirmó la nueva tendencia con Rubber Soul, los Beatles ya no eran los mismos. Cambiaron mucho, en la forma de componer y en la música. Este hecho se puede achacar a diversos motivos: en primer lugar la marihuana habia entrado en sus vidas, y les cambió el modo de ver las cosas, tornando hacia el surrealismo; además, el modo de producción era distinto, ya no grababan todo el disco en una sola sesión y podían tomarse todo el tiempo que necesitaran en el estudio; la preocupación del grupo por sus carreras creció (antes se consideraban algo asi como Ricky Martin, de pasajeros, me refiero) y por primera vez se encargaron tanto de la música (arrebatándole su influencia al productor George Martin) como de los aspectos externos a lo musical, entre ellos la portada del álbum. Durante la sesión de fotos para elegir la portada, al fotógrafo (Robert Freeman) se le desvió el proyector donde mostraba a los de Liverpool las posibles portadas y se produjo un efecto que hacía que la diapositiva saliera alargada. Hoy esa es una imagen famosísima, la que os muestro a la derecha. George Harrison dijo de la portada: “Me gustó que salieramos con la cara alargada en la portada del disco. Habíamos perdido la inocencia, la ingenuidad, y Rubber Soul fue el primer disco en el que eramos ya porretas experimentados”

John en alguna de sus famosas declaraciones dijo que Rubber Soul era el disco de la marihuana (Revolver el del LSD), sustancia que degustaron cortesía de Bob Dylan al que admiraban profundamente. De hecho este LP está fuertemente inspirado en la música del poeta norteamericano, que, como siempre, hizo gala de su ingenio cuando le dijo a Lennon: “¡Oh! Ya veo que os habeis cansado de ser niños monos”

Y es que Alma de Plástico (titulado asi por unas declaraciones de un músico refiriéndose al R&B) está repleto de buenas canciones que no caen en la convencionalidad de las letras de sus anteriores trabajos y que contiene una mayor variedad de sonidos y, por tanto, mayor originalidad. Desde Drive My Car (que abre el LP) hasta Run For Your Life (que lo cierra) no se ofrece ni un mal minuto, ni una mala canción.

Drive my Car nació en la cabeza de Macca, pero estaba atascado, asi que acudió a Lennon en busca de ayuda. Entre los dos transformaron lo que en principio se iba a llamar Golden Rings por una historia repleta de dobles sentidos, seguida por una línea de batería marcada por el intuitivo Ringo Starr y otra de bajo, cortesía de George Harrison en esta ocasión. Hoy en día es bastante famosa, incluso apareció en un anuncio de coches si no recuerdo mal. Os dejo un trozo de la letra aquí, para que veais la sutileza con que el tándem Lennon-McCartney despacha dobles sentidos:

Baby you can drive my car/ Yes I’m gonna be a star/ Baby you can drive my car/ And maybe I’ll love you// I told that girl that my prospects were good/ And she said “baby, it’s understood/ Working for peanuts is all very fine/ But I can show you a better time”

Comparen con un verso de la letra inicial: You can buy me Golden Rings

Continuemos el recorrido por el álbum. La siguiente canción que se nos presenta es Norwegian Wood, una de las mejores composiciones de John. La letra estaba hecha, la base musical también, y todo grabado, pero faltaba algo… Nadie sabía que incluirle… Hasta que llegó George Harrison con su nuevo sitar (instrumento hindú) comprado en una pequeña tienda de Oxford y, prácticamente sin saber tocarlo, reprodujo lo que John tenía en la mente. Esa es la historia de la primera canción tocada con sitar en occidente. Tras este prodigio, tanto lírico como instrumental, nos encontramos una composición de McCartney, una canción bonita y simple, en la que no nos pararemos demasiado. Solo una curiosidad, el tempo se va ralentizando progresivamente gracias a la batería de Ringo. Se trata de You Won´t See Me

Ahora empieza una de las composiciones de tintes existencialistas que afloran en este álbum: Nowhere Man. Compuesta tras correrse una juerga y llegar a casa a las 5 de la mañana (tened en cuenta que es Inglaterra, y todavía no existía el botellón). Paul afirma que John la compuso en honor suya, mientras que este último afirma que, simplemente, habla sobre si mismo. Think For Yourself es la primera canción editada en un LP compuesta por George Harrison, no se puede llegar de 0 a 100, sin embargo se trata de una canción que no desentona para nada en el contenido final, simplemente no está mal. Por cierto, bonita (excelente) línea de bajo.

La palabra podría ser cualquiera, sin embargo es amor. Por esa época fue cuando John descubrió que el amor (Love) era lo que movía el universo (mira que lo descubrió tarde, ¿eh?). Compuso una canción sobre el tema muy pegadiza, paso previo a la mítica All You Need is Love. La siguiente es la canción que me enganchó a este álbum: Michele, una delicadísima declaración de amor a una francesa en la que Paul hace gala de su facilidad para los idiomas. Simplemente preciosa, más de 700 versiones de esta canción lo atestiguan.

What Goes On, nombre del mejor disco de Marvin Gaye es también el título de esta composición de John a ritmo de country. De principios de la carrera de los de Liverpool esla letra, reciclada para la ocasión. Otro pildorazo de la mano de nuestro querido difunto Lennon es Girl, canción de corte meláncolico y muy melódica (para que después digan de que él era el rockero…) en la que los traviesillos George y Paul incluian un coro con la palaara en clave “tit”, teta en inglés (ji ji ji). Progresivamente se apaga la voz de Lennon para dejar paso a McCartney con I´m Looking Throw You. Es de risa, en esa época nuestro compositor vivía en casa de los padres de su novia, Jane Asher, pero esta se había marchado para trabajar como actriz a Bristol. Paul, resentido y, supongo, celoso, le compuso esta canción que no deja de ser graciosa.

Llegó el momento de comenta una de las mejores canciones (sino la mejor) de la historia de los Beatles: In My Life. Letra de John Lennon, recupera con su característico tono meláncolico a todas las personas y todas las cosas importantes que han estado presentes en su vida. Es curioso comprobar como la letra es a la vez tan personal y tan universal. La compuso según sus sentimientos, pero la podemos sentir todos; prueba de ellos es la (a mi parecer) nefasta versión de Johnny Cash. Lo que realmente me saca de la órbita en esta canción es el solo de clavicémbalo a mitad de la canción, y la verdad es que se me cayó un mito cuando descubrí que en realidad es obra del productor: George Martin.

Pasando a otra canción, me dedico a Wait, que a mitad de la canción tiene un cambio de tono que solo por este merece ser escuchada y admirada la canción. Coproducción de la letra del tándem Lennon-McCartney. En cuanto a If I Needed Someone he de decir que es mi canción menos favorita del LP (alguna tenía que ser), aunque no desentona nada realmente y no molesta pues es agradable. A George Harrison todavía le quedaba mucho que mejorar como letrista.

Y (por fin, dirán) llegamos al final, la última canción y otro gran pepinazo: Run For Your Life, composición de mi más admirado beatles (o sea, John Large Lennon) está inspirada vagamente en Baby Let´s Play The House. La verdad es que nunca le gustó demasiado esta canción a su creador, pero para Ringo Starr es una de las mejores. Personalmente creo que es un temazo.

Bueno, pues asi se cierra un disco cuasi perfecto y el primero verdaderamente “serio” (que se tomaron en serio). Nunca cansa, siempre querrás repetir. GRANDE, MUY GRANDE.

P.D: Me gustaría recomendar a los amantes de The Beatles esta pagina, la mejor que he visto jamás sobre el grupo en español (y otros diomas que medio-entiendo).

Un Saludo.

¿Quien es el rey de las flores de zanahoria? Puede resultar absurdo, pues la mayoría no sabrán de este curioso grupo surgido en los 90; están ciertamente olvidados por la mayoría. Quizá se deba a lo extraterrestre de sus letras y su concepto de lo que debe ser un disco, o a que solo publicaron dos LP´s; aunque también tengo entendido qe son mucho más conocidos internacionalmente. Bueno, que más da si son famosos, desconocidos o ignorados, el caso es que Neutral Milk Hotel tienen un gran disco que se llama In The Aeroplane Over The Sea.

Este grupo me llamó mucho la atención desde el principio, En el avión sobre el mar es un nombre muy evocador y después de leer un par de críticas me interesó más aún. Pasadas alrededor de dos horas desde el descubrimiento del grupo ya tenía descargado el LP y me puse a escucharlo. Primera canción: King Of Carrot Flowers Pt. One, un medio tiempo se prolonga durante la duración, propiciado por una guitarra acústica que permite a Jeff Mangum desdoblar su voz para conseguir un efecto sorprendente. La letra es indescriptible, por tanto copiaré un trozo ( And your mom would stick a fork right into daddy’s shoulder/ And your dad would throw the garbage all across the floor/ As we would lay and learn what each other’s bodies were for). Y si la primera canción ya era un tanto singular aventurémonos a explicar la canción que responde al nombre de King of Carrots Flowers Pts. 2 & 3, distorsiones de guitarra y la voz de Mangum (impresionante esa entonación) sirven para fabricar una oda a Jesucristo (¿a que no lo esperaban?). En esta ocasión os dejaré la letra completa para que empiecen a admirar (con música suena infinitamente mejor):

I love you Jesus Christ/ Jesus Christ I love you/ Yes I do/ I love you Jesus Christ /Jesus Christ I love you/Yes I do/ And on the lazy days/ The dogs dissolve and drain away /The world it goes And all awaits/ The day we are awaiting

Por último os hablaré de la tercera canción del LP que da nombre al álbum. Sigue con las eternas guitarras acústicas insuperables, que en este caso dan un toque épico a una canción que guarda una letra preciosa (os dejo que la descubrais por vosotros mismos, es cuando más se disfruta) para una voz tan peculiar como la de Mangum, impresionante ese instrumento de viento.

En fin, el resto del disco continúa la misma senda, se sigue apoyando en las guitarras acústicas y en el líder del grupo, pero no decae en ningún momento. Es simplemente impresionante.

No deben tomar esto como una reseña del disco, es, simplemente, una opinión personal de tan magnífico disco. Y ese aura que los rodea tan presente en las canciones como en la portada del LP es insuperable. Solo me queda desearles que disfruten In The Aeroplane Over The Sea, piérdanse por esos mares inexplorados que nos presentan los disueltos (¡ay que penita!) Neutral Milk Hotel.

LTP.

<”Soy Evaristo, el rey de la baraja /
vivo entre rejas, antes era chapista /
los mercaderes, ocuparon mi templo /
y me aplicaron, ley antiterrorista…”>

Roberto Iniesta Ojea es una patada traicionera en los huevos al pop facilón de miradas tiernas y mejillas arreboladas. Las niñatas no se desmayan al paso del poeta. Sus letras son descarnadas, duras, reales. Sus canciones son un corte de manga social a todo lo políticamente correcto. Sexo, amor y drogas conforman su contundente “Rock Transgresivo”. Mezcla de trovador, rockero y maki el ex-yonki es sin duda el “Rey de Extremadura”.

Nacido en plasencia en 1962 en su atormentado pasado, el Robe, hijo de padre chapista, tuvo que dedicarse a la misma profesión durante algún tiempo, reparando carrocerías, a lo que siguieron efímeras actividades y diversos vagabundeos coqueteando con cuantas drogas pudo proveerse. Tuvo un garito, más tarde una furgoneta con la que vendia patatas y gusanitos, buscándose la vida en los bares, sacando dinero de donde fuese.

Cuando en el verano de 1987 el Robe y otro par de músicos forman Extremoduro, eran poco menos que yonkis y tirados. La estrambótica mezcla en sus canciones solo puede ser resultado del paseo por el infierno de un poeta de callejón. En la ciudad extremeña de Plasencia el Robe y su banda (El Salo (guitarra) y Luis von Fanta (bateria)) dan sus primeros pasos, reuniendo sus primeras canciones, que aportan la rabia callejera que les infunde su oscuro y turbulento pasado. Tocan en locales de mala muerte, arrancan pan tocando allá donde pueden.

Consiguieron sacar la pasta para su maqueta de una manera muy original. Hicieron unos canjes de 1.000 pesetas, que daban derecho a adquirir su disco, una vez estuviese hecho. Reunieron asi 250.000 pts. vendiendo un Lp que aún no existia. Con este dinero consiguieron grabar su primera Maqueta en los estudios Duplimatic, en enero del 89. Quizás sea una de las mejores grabaciones que haya hecho el grupo, seca y parca, austera en sus sonidos y sin florituras, dura, directa, casi brutal en una reunión de primeras canciones de la que destacan la Jota Psicodélica “Extremaydura”.

Participan en el concurso Yamaha quedando terceros, y un progarma de televisión catalán les hace publicidad de manera que consiguen publicar su siguiente trabajo con el pequeño sello discográfico Avispa.
El resultado no es el esperado, las canciones son las mismas que las de la maqueta, pero la producción es en gran parte inaceptable, teniendo el disco un tratamiento bastante precario, coros a destiempo, voces femeninas innecesarias y solos de guitarra con florituras y excesos que no hacen nada de bien al resultado final.

Tuvieron mala suerte. Los engañaron con el contrato, acabaron incluso teniendo que pagar para terminar el disco y no vieron ni un duro de derechos de autor. Pero aún así siguen tocando en conciertos, el rumor se promociona de boca en boca, y en las actuaciones es cuando verdaderamente se desata el ansia transgresora de estos músicos. Los ayuntamientos prohiben sus conciertos y vetan sus actuaciones. Aún así en 1991 lanzan su tercer trabajo, su segundo disco completo, “Somos unos Animales”, producida por otra discográfica independiente: Area Creativa. Tuvo buenísimas ventas sin ningún tipo de promoción,a unque de nuevo los componentes del grupo no vieron ni un puto duro en torno a derechos de autor, en vista de ello, volvieron a cambiar de discográfica. DRO.

Con la nueva discográfica continúan publicando sus discos. A “Somos unos Animales” les siguieron una serie de conciertos por toda la geografía Española. Extremoduro no tiene término medio, los directos o son increibles o auténticos desastres, normalente dependiendo del estado de ánimo de los componentes, o del pedo de los mismos, concretamente de Robe.
El grupo por aquel entonces aún no habia terminado de abandonar la heroína, ello hace que la dispersión entre los comoponentes sea mayor, viviendo cada uno muy alejado de los otros, reuniéndose cada cierto tiempo, más que nada para no olvidar las canciones. Como su lema indica “El exceso de trabajo no suple la falta de talento” y cada músico hace su vida totalmente independiente. Sin embargo las mayores anécdotas no están relacionadas con Robe, sino con sus músicos. A veces alguno de los componentes pasaba de aparecer porque estaba picándose por ahi, el bateria se quedaba dormido, el guitarra tenía que hacer tres o cuatro descansos… El mismo Robe es una persona de opinión muy variable, lo cual hace difícil trabajar con él , ya que no se sabe exactamente qué es lo que va a opinar al día siguiente. Robe sin embargo opina que no comprende a la gente que tiene las cosas muy seguras y está convencida de sus opiniones.

A pesar de las dificultades, y de la dificultad de los ensayos, Robe continúa pergueñando sus canciones y sigue pariendo nuevos temas que dan a luz el disco “Deltoya” en 1992

<”Miedo, y eso que coño será…”>

Bulerías de la Sangre caliente (Deltoya 1992)

<”Atraviesa ya… /
la cortina gris…/
deja de pensar…/
nunca estás aqui…/

Encuéntrame al salir/
de tus juegos de azar/
empiézate a reir/
y dame de fumar!”>

Papel Secante (Deltoya 1992)

Y es aquí cuando Extremoduro comienza a crecer… llenos en los conciertos, popularidad mediática… toda una genearción de jóvenes siguen coreando las canciones del chapero de Plasencia.

A Deltoya le siguen “Donde están mis amigos” en el 93 . Durante las giras y conciertos de este disco se van uniendo pequeños retazos de letras, pequeñas manías u obsesiones de Robe que acaban siendo editadas en 1995 en una sola pista de 30 minutos de duración bajo el nombre de Pedrá. Poco más por esta época es el único disco directo de Extremoduro “Iros a tomar por culo” de 1997 en los que tocan de manera impresionantemente buena algunos de sus más grandes éxitos.

<”Me acuesto de dia, cuando llega la luz/
y tengo claro que no quiero… /
ser como tú!”>

Pedrá (1995)

Por los estudios también suelen pulular Iñaki (guitarra de Platero y tu) Gari (Bateria) y Selu (saxo de Reincidentes) o Dieguillo (Bajo en Quemando ruedas).
Acompañado de estos músicos y de su Buldog Angelito en una motocaravana, Robe continúa haciendo giras por toda España dando conciertos. No le gustan los hoteles porque tienen “las sábanas más frias del mundo”.

Fruto también de giras, conciertos y coolaboraciones es resultado Agila, en 1996 marcando otra cumbre de su discografia con este disco con el que tomarían ya carrera pues una vez llegados a este punto, el grupo, ya consolidado saca un éxito tras otro, como son “Canciones prohibidas” en 1998 o “Yo, minoria absoluta” en 2002.
Este último disco es el más popular con diferencia incluyendo las canciones más “comerciales” de la banda como son “Puta” “Standby” o “La vereda de la puerta de atrás”. Esa misma popularidad ha hecho levantar críticas al grupo sobre su comercialidad y su progresivo “ablandamiento”. Ello junto al recopilatorio “Grandes éxitos y fracasos”, doble disco editado en 2004 han hecho subir la popularidad del grupo en tanto que viejos nostálgicos de sus orígenes echan de menos los primeros pasos. Lejos de amariconarse el Robe sigue como siempre: hizo y hará siempre lo que le de la gana.

Curiosamente las letras de Extremoduro no son enteramente obra del Robe, teniendo citas de numerosos poetas como Antonio Machado, Pablo Neruda o Manolillo Chinato. Canciones como “Buscando una luna” (Agila), “Standby” (Yo, minoría absoluta), “Salir” (Canciones prohibidas) tienen citas o fragmentos de poemas de autores anteriores, por ejemplo algunos de los versos de la canción “Ama, ama… y ensancha el alma” son propiedad de Manolillo Chinato, y el primer verso de la canción “Sucede” (Agila) es de Pablo Neruda.

<”Llanura bélica y páramos de asceta/
No fué por estos campos, el bíblico jardín… /
Son tierras para el águila, un trozo de planeta /
por donde cruza errante la sombra de Caín…”>

Antonio Machado - Campos de castilla

Con Manolillo Chinato la relación de la banda es estrecha, habiendo publicado un disco conjunto Extremoduro, Manolillo Chinato y Platero y tú, en 2001. El proyecto, ideado en 1996 tomó el nombre de “Extrechinato y tu” en un disco al que se le dio por nombre “Poesia Básica”.

El futuro de Extremoduro a día de hoy es una incógnita. No se sabe exactamente sobre que están trabajando ni cuales son sus planes, aunque es bien conocida la postura de el Robe de no sacar ningún disco por compromiso, sencillamente cuando tienen canciones avisan a la discográfica y las graban, pero nada de contratos o plazos. De manera que sea lo que sea esperemos que el próximo disco de Extremoduro siga en la línea que tomaron desde sus orígenes… y que sea pronto. ARL

Cuando los Beatles empezaron a tocar música por lugares como el Cavern Club no sabían que estaban a punto de comenzar una revolución. Es difícil (incluso inabarcable) resumir su discografía en varias canciones, pues estamos hablando de algo tan variado y rico en estilos musicales que es muy difícil hacer una lista de carácter universal. Sin embargo… lo voy a intentar. Considérenlo una aproximación personal hacia la productiva carrera de los Fab Four.

Comencemos por los inicios, cuando los Beatles se dieron de canto con la posibilidad de ser producidos por un tal George Martin, que les acompañaría desde el primer hasta el último de sus LP´s (aunque Let it Be fuera re-producido por Phil Spector a partir del material de este):

- De Please Please Me me quedo sin duda con una versión que nadie nunca más podría escuchar en otros labios que no fueran los de Lennon, se trata de la interpretación de Twist and Shout. Dos minutos y medio en los que John echó los restos. Martin, sabiendo que la voz de este no aguantaría, lo planificó todo en una sola toma. La voz de Lennon suena desgarrada tras varias horas cantando, pues es la última canción de un álbum grabado en 12 horas, en el mismo día.

Podría seguir nombrando canciones de aquí, como la archiconocida Love Me Do o P.S. I Love You pero me gustaría reservarme un poco para la etapa de madurez del grupo.

Tras el relativo éxito de Please Please Me saldría al mercado With the Beatles, el album que, junto a A Hard Day´s Night, los lanzaría a la fama definitiva hasta el crepúsculo de su carrera. En With the Beatles afilarían bastante el estilo que mantuvieron hasta la aparición de Rubber Soul.

- De aquí es de recomendar una composición de Macca, y una de sus mejores canciones, All My Loving, una canción de amor concebida por el autor como un poema al que más tarde pondría música (algo poco común en su forma de componer). Habla de separación, él se va, pero la recordará y le escribirá todos los días.

Pasemos de álbum y lleguemos a lo que a mi parecer es la primera obra maestra de los de Liverpool. Concebido como banda sonora para su primera película, A Hard Day´s Night es una reunión de canciones pop brillantes, en las que ni sobra ni falta ninguna. He de decir que este LP se disfruta como tres veces más si se ha visto la película, espídica y divertida; aunque lo mejor realmente sean los números musicales.

- Es difícil elegir entre tanta buena canción, pero elegiré un par al menos. La primera que voy a remarcar es I Should Have Known Better, cortesía de Lennon. Cantada en el tren en la película, se nos muestra un Lennon sensible y cariñoso. Tiene un ritmo irresistible.

- La otra del mismo disco que voy a reseñar… mmm …difícil elección. Me decanto por I´m Happy just to Dance with You, compuesta por Lennon para gloria de George Harrison, vocalista y guitarra. Como no podía ser menos otra canción de amor muy rítmica y que no se sale de la línea de la primera etapa.

Tras el éxito viene lo que, a mi parecer, es el disco más flojo de los Beatles, aunque no carece de buenas canciones: Beatles for Sale. Realmente he de reconocer que este LP no lo tengo machacado como los demás, pues me parece bastante inferior y me da pereza ponerlo, sin embargo tengo una canción que comentar.

- Su single, nº 1 en EEUU: Eight Days a Week, aunque no es su mejor canción tiene ritmo. La letra sigue la senda de lo explorado anteriormente, no demasiadas variaciones.

Tras lo que más tarde se vería fue su mayor bajón, los Beatles se pusieron manos a la obra para crear la bso de su segunda (y desastrosa) película: Help, de ahí salió el LP homónimo. Este disco es el principio del cambio, los Beatles ya no trabajan como antes, y eso se nota mucho en la música. Ya no lo graban todo en una sesión, ahora ensayan, experimentan… y cambian. De aquí se podrían remarcar muchas canciones, pero tendré que resumirlo en dos solamente. Y pueden acusarme de elegir la canción más fácil pero es que para nada están sobrevaloradas:

- La canción que da nombre al disco es una composición desesperada, nacida del sentimiento de opresión que sentía John Lennon por la gran fama de los Beatles. Por primera vez se separan de las fórmulas de chico-conoce-chica en las líricas, y se acercan a unas letras más existenciales (guardando las distancias) sin perder un ápice de compactibilidad en la composición.

- La otra canción del álbum es famosa mundialmente, no conozco a nadie que no conozca esta canción. Algunos aseguran que es una composición de Frank Sinatra (;P), pero los admiradores de los Beatles sabemos que la letra es producto de una melodía en la cabeza de Paul McCartney. Quizá su mayor éxito a nivel mundial, incluso hoy en día: Yesterday.
En fin, se podría decir que con la experimentación que surgió a partir de Help cambiaron totalmente los esquemas de composición tanto musical como líricamente. A partir de aquí surgiría lo que para mi es, la mejor estapa de los Beatles. Pero eso ya lo hablaremos en la segunda parte de este post. Espero que hayan disfrutado, espero verles por aquí pronto.

LTP.

Entre rapidísimos acordes, sonidos imposibles y melodias que hacen levantarse de la silla uno se siente un poquito maś lejos aún de la realidad. Rodeado de cables es como se escuchan temas como Surfing With the Alien, Summer Song o Ceremony.

Not of this Earth, Surfing with the alien, Flying in a Blue dream, Strange Beautiful Music, Crystal Planet o Engines of creations son algunos de sus discos. Todos la obra de un genio, de un virtuoso, sobrando frases aduladoras ni halagos. Porque Joe Satriani es un maestro. En más amplio sentido posible de la palabra.

Su depuradisimo método y su apurado tecnicismo a la hora de tocar la guitarra eléctrica hicieron de Joe Satriani profesor de muchos de los mejores gitarristas de la historia. Tutor de algunos como Steve Vai (considerado quizás el mejor habilidoso de este instrumento en el mundo) o Kirk Hammett (Metallica) Joe Satriani es uno de los grandes en la guitarra y, de seguro, mi músico preferido.

Nacido el 15 de Julio de 1956 en Westbury, en el estado de Nueva York, Satriani decidió que queria ser guistarrista al oir que Jimmi Hendrix habia palmado, durante un entrenamiento de football a la tierna edad de 14 años.

Hacia 1973 Satriani estudió guitarra con el guitarrista de Jazz Billy Bauer, y el pianista Lennie Tristano. El exigente estilo y técnica que Tristano imponia supuso una gran influencia para Satriani, el cual se benefició muchisimo de esos conocimientos, llegando a dominar casi todas las técnicas de guitarra, como el tapping a dos manos, el sweet picking, volume swells…

Al poco tiempo comenzó a enseñar también guitarra con su primer alumno y más tarde seguidor Steve Vai. En 1978 Satriani se muda a Berkeley para seguir su carrera profesional en el mejor ambiente posible. No obstante nada más llegar continua ejerciendo como profesor de guitarra. De esa época sus más desatcados alumnos son Kirk Hammett (Metallica) , Charlie Hunter, Larry Lalonde (Primus)…

Cuando hacia 1986 Steve Vai alcanzó la fama y fué catapulado al estrellato mencionó con fervor entusiasmado a Satriani en cuantas entrevistas le hicieron para magazines de guitarra, coincidiendo con a edición del primer disco de Satriani “Not of this Earth“.
Poco después , junto con su segundo LP titulado “Surfing with the alien” (Que ha llegado a ser uno de los grandes clásicos del rock) Satriani fué de gira por Australia y Nueva Zelanda coolaborando con el guitarrista Mick Jagger en apoyo al grupo Rolling Stones .

A partir de ese momento Satriani no tiene ningún problema para lanzar un disco tras otro, publicando en 1989 “Flying in a Blue dream“, el cual consigue ser un éxito en la radio y tener una difusión bastante extendida. En 1992 desvela su siguiente trabajo: The Extremist, su mayor éxito de crítica.

Sin embargo en 1993 lejos de continuar la enseñanza, Satriani entra en Deep Purple, como remplazo temporal del guitarrista Richie Blackmore, durante la gira japonesa del grupo. Estos concierton fueron un gigantesco éxito para la composición británica, la cual presentó a Satriani un contrato para ingresar en la banda, pero los compromisos anteriores de Satriani con SONY por 10 años impidieron que este pasase a formar parte de ellos.

En 1996 Satriani propuso a Vai realizar una gira por Europa, en un show para 3 guitarras, ellos dos junto a un tercer guitarrista variable cuyo puesto seria sucesivamente ocupado por Eric Jhonson (96, 2000 y 2001) Adrian Legg (97) , Robert Fripp (97 y 99), Yngwie Malmsteen (2003) y otros grandes guitarristas. El evento seria llamado G3 y es una de las grandes referencias mundiales. Financiado y producido por ellos mismos el show siempre atrae a fanáticos del rock instrumental en grandes cantidades, hasta la fecha no han realizado un concierto sin completar las instalaciones.

Satriani es uno de los más grandes guitarristas del mundo, aún a pesar de ser muy criticado usualmente por la “frialdad” o “esterilidad” de su música, que acusan de “robotizada”. Su precisa y eficaz composición, siempre prefiriendo estilos sencillos lo dotan de un singular encanto realizando piezas musicales de una técnica y realización sencillamente perfectas.

De su guitarra Ibanez destila melodias directas y exactas a veces a una velocidad impresionante. Ibanez es la marca de guitarra que utiliza Satriani. La marca japonesa que comenzó construyendo guitarras españolas y que en los 80 se hizo con gran parte del mercado Americano mantiene un contrato con Satriani, Vai y otros guitarristas de altísimo nivel para el uso de sus instrumentos.

Sin duda, maestro de los grandes, autor de algunos de los temas más míticos de toda la historia del rock y con críticos y fans para los cuales cada disco que saca es automáticamente considerado un clásico .
Disfrutadlo.

Favoritas: (Song - Album)
Ceremony (Crystal Planet)
Summer Song (The Extremist)
Theme for a Strange World (Super Colossal)
Always with me, Always with you (Surfing with the Alien)
Midnight (Surfing with the Alien)
ARL

Nunca he sido demasiado bueno para hacer críticas de discos, por lo que considero esto como una recomendacióníntima de vuestro amigo que siempre os recuerda.

Para seguir haciendo gala de mi incultura musical he de decir que sé más bien poco de Peter Wolf, simplemente me cautivó el título de su este album y la pequeña reseña hecha en la lista de los mejores 500 discos de la historia de la música según la prestigiosa revista Rolling Stone. Como firme defensor de la cultura del regalo me bajé el disco por internet y sin demasiado entusiasmo (ya habia olvidado cúal era) lo puse bajito en los altavoces de mi ordenador, para, tras varias escuchas, subir el volumen hasta palpar el cielo con sus guitarras.

Realmente no sabría bien como definir este disco, ninguno me resulta fácil, esa encomiable labor se la cedo a mis siempre admirados foreros de MZK, sabios de la música desde su casa (los Joaquines Lukis del indie). Sin embargo me arrancaré por bulerías con Peter Wolf, que con Sleepless sacó al mercado uno de los discos de rock más fuera de lugar que he oido. En plena década de los 90 presenta algo que suena como lo mejor de los Rolling allá por los 60-70. Pero no se crean que es puro Rolling, o puro cualquier-otra-cosa-que-se-os-ocurra, porque mi preciado guitarrista tiene un estilo propio tan acusado que a veces duele escucharlo. Conecta con la vena sensible del melómano ofreciéndonos unas interpretaciones realmente intimistas de canciones que, de haberse grabado 20 años atrás, serían hoy consideradas clásicos.

Realmente no sé cual fue la importancia mediática de este álbum en su fecha de publicación, porque (conpréndanme) era demasiado joven, pero me da en la nariz que no fue demasiado grande, al menos eso me indican “sútilmente” los datos de RYM. En ese caso recomiendo una concienzuda revisión de esta colecta de buenas canciones rock intimistas que (creo) no desagradarán a los oidos mejor educados. Por cierto, un par de apuntes que se me han pasado y que espero sirvan a los que aun no he convencido para escuchar el material: 1- Peter Wolf ha sido durante muchos años y algunos discos músico en la banda del gran Frank Zappa. 2- En las guitarras de Sleepless está el accidentado Keith Richards.

LTP.